Godzilla x Kong: The New Empire no es para nada una película innovadora, es la misma premisa que nos han contado con sus antecesoras, pero lo suficientemente adornada para pasar desapercibido, sino eres muy exigente ni observador. Han planteado el tema de al proyecto monarca y el nuevo villano, a modo de innovación, para que así sea en recurso de renovación del guión. La base, estructura, planteamiento y la narrativa dejan mucho que desear, porque es algo que nos habían contado, pero con una careta nueva, es decir, con un lavado de cara; si cumple su función y lo hace bien, pero poco más. Pero que de un guión lo mejor de todo, más potente y destaque más, eclipsando todo lo demás, sea el clímax, dice mucho del trabajo de los guionistas. Esque el clímax es tan bueno y enérgico, que es una pequeña muestra de cómo debería haber sido el resto del film, y que además parece una película aparte. Como que tiene muy poco que ver con lo que hemos visto hasta ahora; parece que este guión lo hayan escrito dos guionistas/equipos con estilos completamente diferentes. El clímax, si logra atraparte, hacerte sentir, vivir, sufrir, empatizar, hace que cada recurso empleado en el guión cobre vida, destacando mucho y siendo muy bueno; como todo lo bueno se acaba, pasados unos cinco minutos después del clímax, ya no queda ni rastro de esa energía que había logrado transmitir el clímax, y volvemos a la rutina. Eso plantea una seria pregunta: ¿Porque no han hecho lo mismo en el resto de la película? Habría sido un buen gancho del que tirar. Es un guión con mucho potencial, pero desaprovechado, provocando que se quede en las puertas de ser buena, por la maldita avaricia y el capitalismo actual, de Hollywood. Le ocurre lo mismo que Avengers End game, depende demasiado de: las secuencias épicas y el clímax, si se lo quitas pierde muchísimo nivel. Pero no es todo malo, pese a no ser nada moderna, consigue entretenerte y que lo pases bien. Es de esos films que si no eres muy exigente te puede gustar bastante, pero si eres muy exigente como yo, dice: bueno…. está bien, normalilla, me ha gustado un poco, y pasas a la siguiente cosa. Les faltó muy muy poco para llegar a ser buena.

La interpretación de Rebecca Hall, Dan Stevens y Brian Tyree Henry es totalmente acertada, agradecida y participante, ya que, con su ayuda, logras empatizar más con su personaje, sumergirte más en la historia y vivir mejor la aventura, parta del trabajo que debería hacer el guión, lo hacen los actores.

Adam Wingard ha conseguido aportar una pequeña parte de diferencia con ayuda del guión técnico, metiendo algún que otro giro vertical de cámara y poco más, pero es un detalle que está muy escondido, a menos que sepas donde y como mirar, por lo que, debería haberle sacado más provecho esforzándose un poco más. La dirección de actores, se agradece porque ayudan al guión, en lo que cojea, pero nada más.    

Nacho Stars: 6,41

Nacho Miret

 

EL FIN DEL MUNDO

Leave the world behind es una película apocalíptica, donde te hablan del fin del mundo, pero no uno natural, sino provocado por el ser humano. Es uno de esos guiones, en los que debes prestan mucha atención a cada detalle, porque son muy sutiles y necesarios para comprender el resto del film, si te saltas alguno, ya estás perdido. Es un guión cebolla (como los llamo yo), porque tiene capas y tienes que ir rascando para descubrir la verdad. Han cogido algo muy simple y lo han maquillado y envuelto tanto con intriga, de una forma tan magistral, que han conseguido hacer un guión, con unos niveles de intriga tan constantes, manteniéndose al mismo nivel siempre, que logran despertar el continuo interés; creando la necesidad a prestar atención, sin perderte ningun detalle y además sin resultar pesado. Han encontrado la cantidad perfecta y adecuada de misterio, ubicándolo en el lugar y el modo correcto. Es un puzle, muy sutil, del que no puedes perder ninguna pieza, porque si pierdes una, aunque sea minúscula, la siguiente ya no la encontraras y te perderas. Te plantean diferentes teorias con fundamentos, hasta que te enseñan cual es la correcta; preguntándote sin usar palabras, si acertastes con la teoría (es como una prueba para los que les gusta crear teorias). En distintas secuencias, se no muestra como algunos personajes como Clay Sandford (Ethan Hawke) o Amanda Sandford (Julia Roberts) han recibido pistas enormes de la verdad que se esconde tras este enorme misterio, pero aún no era el momento, debido a que ellos aún no estaban preparados para descubrirla, hasta que cerca del desenlace, de la mano de G.H. Scott (Mahershala Ali), con la ayuda de Danny (Kevin Bacon), se nos revela el secreto que hay escondido detrás del telón. Y resulta tan simple, que una vez más, se demuestra que el mejor escondite es a plena vista y que en determinadas ocasiones, la respuesta es tan sencilla, que la descartamos inmediatamente debido a su simpleza, infravalorándola. Posee un final, abierto y sutil, el cuál es necesario haber prestado atención a cada pista que te han ido dando y pieza del puzle que se te ha ido entregando, para entenderlo, porque si no, puedes quedarte confundido, no entender nada y que se pierda toda la magia creada hasta ahora; es necesario prestar atención a lo que cuenta y como lo hace; además que es una manera muy resumida de contarte lo que va ocurrir de un modo tenue y sin decir ni una sola palabra ni imagen posterior. Es de esas películas que el nivel de intriga, la interpretación, el guión técnico, y el hecho de ser un guión cebolla, te demuestra hoy en día rebuscando un poco se puede encontrar cine de calidad; además de como coger una idea muy simple y muy escuchada, darle una vuelta de trescientos sesenta grados y hacerla completamente innovadora.

La interpretación de Mahershala Ali, Kevin Bacon, Ethan Hawke y Julia Roberts hacen honor a su nombre y reputación, no es de oscar, pero si lo bordan. Acompañando al espectador, guiándolo, ayudándolo a que empatice con sus personajes, se sumerja aún más en la historia, consiguiendo que sea un personaje más en esta aventura, sufriendo, alegrándose y mucho más con cada contratiempo al que se enfrentan los personajes y suceso que les ocurre.

Sam Esmail mediante este guión técnico, tan curioso y diferente a lo habitual, ha logrado generar la emoción necesaria en cada momento, para que el espectador se meta más en la historia y empatiza de mejor modo con los personajes. La dirección de actores es totalmente acertada, equilibrada y sublime, consiguiendo una simbiosis excelente y digna del guión de este calibre.

Nacho Stars: 8,12

Nacho Miret

UNA PELÍCULA DE SEINFELD

 Unfrosted básicamente es una película comercial que habla de la marca Kellogg's y el éxito revolucionario que hizo en los años sesenta para mantenerse a flote, llamado: Pop Art. Supuestamente es una parodia que te narra lo recién mencionado, pero el nivel de comedia está tan bajo, que deja mucho que desear, llegando a tener bastantes gags muy forzados. Lo más gracioso son las tomas falsas. Es una clara muestra de lo que pasa cuando traes al dos mil veinticuatro una serie que tiene treinta y cinco años, con el humor de aquel entonces, y no tienes en cuenta que la comida actualmente a cambiado y es mucho más exigente. Todo tiene un olor tan fuerte y característico, que resulta inconfundible, apesta a Jerry Seinfeld, cada pequeño detalle. Tiene una clara referencia al asalto al capitolio que ocurrio tiempo atrás y un evidente cameo paródico a Mad Men con Jon Hamm y John Slattery. Que es una muestra más de que ha recurrido a pequeños detalles para reforzar el film y que así llame más la atencion. Incluso hay que añadir que han metido subtramas (como la de que uno de los personajes, por ser alemán y un par de detalles más, parece ser Hitler con el nombre cambiado y encubierto, incluso menciona Argentina), para que la principal no resulte tan insulsa. Únicamente resulta entretenido y divertido, pero no logra sacarte una risa, hasta que no ves las tomas falsas. Se puede apreciar claramente, si eres observador y perspicaz, la verdadera intención de los adornos que le han puesto al guión y la película, entre otros muchos la cantidad ingente de actores clichés de la comedia y superestrellas de Hollywood. Es un film extremadamente comercial, a modo de anuncio, basada exclusivamente en los cereales Kellogg's.

La interpretación de Hugh Grant es admirable, acertada y espectacular, para esta ocasión, sabe demostrar cómo incluso dando bien poco, sabe desbordarlo. Peter Dinklage no se queda atrás, está a un nivel más bajo, pero aún así que es una de las dos interpretaciones que más destacan y mejor lo hacen. Ya que Melissa McCarthy y Amy Schumer no destacan en absoluto, porque son ellas al cien por cien, es como que personaje y actriz se funden en uno de sola, despareciendo exageradamente el personaje, dejando muy poco.

Una de las pocas cosas que ha hecho bien Jerry Seinfeld como director, es dirigir a los actores; pero aún así, tiene cosas que se le deben puntualizar. Por ejemplo: se nota demasiado que se a focalizado a más no poder en dirigir a Hugh Grant y Peter Dinklage, por el peso que tienen sus nombres, pero centrándose más en Hugh Grant, sin lugar a duda. El guión técnico, queda en un segundo plano, ya que es tan sistemático, que pasa completamente desapercibido.  

Nacho Stars: 5,42

Nacho Miret

CRIATURAS MÁGICAS Y BUDHA

The Monkey King es una película que cumple la tradición de las de Jackie Chan, pero con un aire más mágico y fantasioso. En un mundo dominado por unos Dioses que viven en el cielo pero que en esencia son unas criaturas más y el verdadero Dios es Budha, unos demonios que siembran el caos donde residen y un mono guerrero muy poderoso, con rayos laser en los ojos, los cuales solo vemos usar una sola vez. Un personaje que se encarga de ponerlo todo patas arriba, para poder encontrar su lugar en el mundo, encontrándose mas o menos a sí mismo. Único en su especie, ya que no tiene familia y fue nacido de una geoda (aunque en el film lo llamen piedra mágica es una geoda o amatista), que desea ser amado, y tras mucho rechazo se ve forzado a protegerse con una coraza de egocentrismo y vanidad. Posee secuencias de acción, tan trepidantes, que te provocaran cierto subidón de adrenalina, siempre y cuando seas de esas personas que viven las películas. También hay que comentar que, sin estas escenas, pierde nivel, aunque se mantiene. La construcción de los personajes es curiosa e interesante a la vez, ya que hasta que no llegas al desenlace, no descubres quien es el verdadero protagonista de la historia, porque hasta el momento permanece oculto a plena vista de todo el mundo. La evolución y crecimiento personal del Rey Mono, resulta agridulce, porque ya que le ves cambiar, no es como esperabas. Como es habitual, en esta clase de guiones la parte moralista, está caracterizada por su protagonismo, y en esta ocasión hay que añadir la parte espiritual, que esta vez juega un papel fundamente y que cala muy hondo. Es un film entretenido y divertido, recomendable, siempre y cuando no tengas las expectativas muy altas, y te gusten las películas de animación de criaturas magicas y peleas de artes marciales.

La animación (el diseño 3D) está bien trabajado y cuidado, las luces las sombras y demás; de un modo que ayuda a que te sumerjas más en la historia y empatices como es debido con los personajes.

Anthony Stacchi pese a construir un guión técnico y esquemático, ha introducido algún que otro pequeño plano para hacerlo algo distinto.

Nacho Stars: 7

Nacho Miret 

 

QUE HAY DETRÁS

 Lift es un film que coge algo de lo que se suelen hacer muchas películas, lo moderniza, le da una vuelta de tuerca más, y consigue traernos una nueva y fascinante aventura, llena de sorpresas y secretos, de un equipo de ladrones de arte, que son una especie de Robin Hood; solo roban a quien no sabe apreciar el arte. El guión consigue aun siendo predecible, por el tipo de historia que te está contando, sorprenderte, ejecuta unos recursos de guión (a modo de contratiempos para los personajes que deberá, afrontar si quieren salir vivos), que logran despistarte, para que así apartes el foco de atención de donde ocurre la acción realmente, y así ellos pueden obrar su magia, realizando los movimientos entre bambalinas sin que te des cuenta; como un mago (prestas atención a una mano, cuando en verdad, toda la acción esta sucediendo en la otra). El planteamiento, construcción, tratamiento y ejecución del guión, los personajes y la narrativa, es la idónea, totalmente equilibrada y han dado completamente en la diana, ya que consigues que te metas de lleno en el relato, haciéndote participe de la aventura, sufriendo, alegrándote y temiendo por los personajes, por consiguiente, alanzas a convertirte en un miembro más del equipo de Cyrus (Kevin Hart), el jefe del grupo, un hombre capaz de ver lo que nadie más ve, incluso la mano que hay detrás del telón e ir dos pasos por delante. Te plantean al gran equipo de ladrones de arte, como una gran familia que irían juntos hasta la muerte y que pese a ser ladrones de arte, son los buenos; un grupo liderado por Cyrus está formado por: Camila (Úrsula Corberó) una piloto muy experimentada y profesional, que sabe conducir cual quier cosa vaya por aire, tierra o mar; Denton (Vincent D'Onofrio) una especie de maestro del disfraz, pero que en esencia es un actor que le gusta mucho disfrazarse, con un historial delictivo, Magnus (Billy Magnussen) el ladrón que está como un cencerro, Mi- Sun (Yun Jee Kim) una hacker con un cerebro prodigioso y un talento excepcional y por último Luke (Viveik Kalra) el ingeniero que controla mucho de tecnología. El guión logra manejar al espectador de una forma única y brillante, digna de un manipulador. La presentación del villano de esta historia: Jorgensen (Jean Reno) es interesante, un hombre dispuesto hacer lo que haga falta por su beneficio personal, con un desprecio absoluto por la vida humana, pero con el defecto de estar chapado a la antigua, es decir, que no se ha adaptado a los tiempos modernos, tan avanzados tecnológicamente. La parte cómica que posee, no eclipsa, pero es efectiva, por pose un humor tan peculiar pero reconocible al mismo tiempo, que consigue fortalecer y diferenciar el guión. Es el film perfecto para los amantes de las películas de ladrones con una puesta en escena secreta.

La interpretación de Kevin Hart y Úrsula Corberó es magnífica, simbiótica y totalmente acertada: Kevin Hart ha logrado dejar a un lado su humor tan característico que le define y aún asi hacer reír, lo que demuestra el elevado nivel interpretativo que tiene. Los mismo ocurre con Úrsula Corberó, ha demostrado lo excelente actriz que es, y como ha roto su encasillamiento como Ruth en física o química, algo que, en La Casa de papel, aún se podria percibir un poco, pero que aquí no hay ni rastro. Además, de romper ese esquema, logra subir de nivel, y demostrar su talento interpretativo, entre otras cosas, usando, por ejemplo: El Don de la Mirada (transmitirle al espectador todo lo que siente tu personaje, utilizando solo la mirada, y sin usar las palabras), pues demostrado que sabe usarlo, aunque para dominarlo aún le falta muchísimo camino. Paul Anderson esta encasillado y atrapado interpretativamente como Arthur Shelby, se nota en gestos y posturalmente que aún no se ha deshecho del personaje.  

F. Gary Gray ha conseguido un equilibrio perfecto entre interpretación, guión y guión técnico reforzando el film, llevándolo al siguiente nivel, rompiendo esquemas y haciendo diferenciarse de los otros films de esta categoría. A través del guión técnico ha logrado, separar la película del esquema y planos prestablecidos que existían en este tipo de películas, añadiendo planos nuevos, los cuales no suelen ser habituales aquí, pero en este caso se agradecen.

Nacho Stars: 8,2

Nacho Miret

DETECTIVES Y COMEDIA POR PARTES IGUALES

Confess, Fletch es una película que rompe con todos los esquemas de los típicos guiones de detectives encontrando el equilibro correcto entre intriga y comedia. La parte detectivesca, está repleta de giros de guion, uno tras otro. Cuando crees que ya está todo expuesto, que te ha contado toda la verdad y que te ha sorprendido suficiente, consigue dale una vuelta de tuerca más, logrando asombrarte más aún. El suspense esta dosificado en la medida exacta, que no resulta ni abrumador ni aburrido; no tienes ni ganas de saber inmediatamente la respuesta, ni te aburres tanto que no prestas atención, todo lo contrario, la estructura y la ejecución de la narrativa es tan equitativa es tan impoluta que te mantiene pegado a la pantalla en todo momento, generado el interés suficiente para cada momento y así no quieras perderte ningún detalle por minúsculo que sea. Además, juega contigo de una forma brillante, que inconscientemente lo consientes y de manera consiente no te importa que lo haga, presentándote a los distintos verdaderos sospechosos del asesinato, con pruebas necesarias para hacerte creer que ese individuo es el autentico asesino, hasta que hace lo mismo con otra persona. Con este método, consigue distraerte de un modo brillante, que no veas la ayudante detrás de las cortinas, y se genere en ti un interés continuo que logra mantener con la atención fijada a cada detalle que te esta narrando. Hay que añadir, lo mencionado al inicio: mediante la parte cómica (llena de gags visuales, humor inteligente y chistes chorra, absolutamente efectivo, con una risa garantizada) logra hacerse diferenciar de lo que conoces hasta ahora de las películas de detectives, añadiendo el hecho de que Fletch (Jon Hamm) no es detective, es un ex-periodista de investigación, haciendo de detective; la mezcla perfecta. Cuyo personaje, le vemos resolviendo varios casos simultáneamente, de una manera bastante intrincada, pero en al mismo tiempo, es una maniobra del guión para fortalecer las piezas del puzle que forman este guión. Es un film del tipo cebolla (como los denomino yo), porque son guiones que tienen muchas capas, y tienes que indagar y prestar mucha atención para ir quitando capas, para descubrir la verdad que se esconde tras todo este enigma.

La interpretación de Jon Hamm es magnífica, sensacional y ajustada, ya que da lo justo y exacto, de la forma idónea, para entender a la perfeccion su personaje, haciendo que la narrativa del guion siga funcionando como un reloj suizo. Te hace sumergirte aún más en la historia, empatizando con su personaje. Además, de ser un cómplice argumental, ya que te ayuda a jugar con el guión haciéndote participe y siendo una pieza más del puzle.

Greg Mottola ha logrado una dirección de actores sublime, simbiótica, calculada y equilibrada, impulsando el guión hacia arriba. El mismo efecto que consigue con el guión técnico y la ejecución del guión a la pantalla, dándole las imágenes necesarias. Es una dirección impecable y equilibrada.   

Nacho Stars: 8

Nacho Miret

  

 

EL PODER DE PAUL ATREIDES

Dune: Part Two es una película que empieza muy bien, en la misma línea, resumiendo y sintetizado, como hizo la primera entra; por consiguiente, es fiel. Pero todo esto cambia en el momento que Paul Atreides (Timothée Chalamet), llega a un poco más de la mitad del film, justo el momento en el que pierde el norte, y todo el guión decide cambiar de dirección (algo muy cuestionable), haciendo que el Paul Atreides del inicio y de la anterior entrega y de nueva historia de Dune, se parezcan lo mismo que un huevo a una castaña. Por lo que, todo lo que te han contado hasta hora no sirve de nada; es como decir, te cuento una historia de un mesías que lucha por su pueblo, para luego de repente cambiarla y contarte una muy distinta. Se nota demasiado, que el capitalismo de Hollywood, ha metido la zarpa, porque si no, no me explico este cambio de rumbo tan drástico en la historia. Esque, además, el tratamiento del guión y la ejecución del relato, es impoluto, todo está bien justificando y planteado, por lo que no lo puedes discutir ni rebatir. Excepto, este cambio de sentido en la narrativa, que por muchas vueltas que le des, la única explicación que se encuentra es: Dinero. Para así alargar, más el relato y poder seguir exprimiendo la gallina de los huevos de oro; una mala costumbre que está adquiriendo ahora Hollywood. Otra prueba irrefutable de esto, es el final abierto que posee, que sirve para decirte que habrá Dune: Parte 3, y tocara gastar más dinero, para ver el desenlace de esta aventura trágica llena de acción y guerra. Incluso la duración del relato esta razonado, ya que cumple las pautas, esquemas y normas de la narrativa a la hora de contar una historia larga, sin aburrir al espectador; porque en esta ocasión, la entrega es larga, pero lo justo; los tiempos del guión está perfectamente controlados milimétricamente. Hay que tener en cuenta también, que, si eres de esos que se sumergen de lleno en las películas, en las secuencias de acción, lo más probable es que desencadenen en un pequeño subidón de adrenalina en ti. Y disfrutes al mismo tiempo de ver a cada personaje recibir su merecido. En ciertas cosas, el guión sabe que darle al espectador para tenerlo contento. A Jessica (Rebecca Ferguson) le han otorgado una tonalidad sectaria, un tanto preocupante y un aura malrollera acojonante.  

En esta entrega, solamente hay una interpretación que destacar, la de: Zendaya. A optado, por reforzar su interpretación fortaleciendo, la parte visual, es decir, todo lo que el espectador ve, y apartado lo que oye. Se ha centrado más en la mirada y poder transmitirlo desde la misma. De los demás no hay nada que destacar, porque, aunque hay más, es lo mismo de siempre, a nivel interpretativo no han aportado nada nuevo.

Denis Villeneuve ha conseguido un guión técnico muy creativo y artístico, dándole una cierta perfección. En cuanto a la dirección de actores no ha sobresalido demasiado, ya que ha mantenido en la línea a todo el reparto y ha subido de nivel a Zendaya. Lo único cuestionable de Villeneuve es el cambio de dirección que le ha dado al guión, a medio trayecto del relato.  

NACHO STARS: 7,40

Nacho Miret

 

EL NEGOCIO DE LA MEDICINA

 Pain Hustlers te muestra la cara oculta de los magnates farmacéuticos, como se lucran a base del dolor de gente inocente, dejando ver que para ellos las personas solo son cifras. Te narra la historia, basada en hechos reales, de Liza Drake (Emily Blunt), una mujer que se ha tenido que construir a sí misma, desde la nada, llegando a hacer cosas que detesta y vendiendo su alma al diablo, para poder luchar por sus sueños, tener un techo en el que vivir y poder llamar hogar. El guión a lo largo de todo el relato, te formula una pregunta, que te da mucho que pensar: ¿Hasta dónde llegarías para cumplir tus sueños y tener un techo bajo el que poder vivir?. Cada detalle está planeado para contarte la verdad sobre un tema de vital importancia, guiándote el camino, cogiéndote de la mano, sin que te des cuenta, pero al mismo tiempo, en determinadas ocasiones te la suelta y te hace dudar, para hacerte ver que eres tú el que decide y no ellos los que te adoctrinan. Algo que inconscientemente sigues el mismo camino, porque te ponen suficientes pruebas con fundamentos, para que, con tus propios ojos y criterio, sepas ver la auténtica verdad y elijas sabiamente, sin ninguna clase de presión ni obligación. Es de esos guiones, que a medida que se va desarrollando la historia, va cogiendo más potencia, y vas mejorando cuanta más información te da y más te explica. Ya que es uno de esos relatos, tan interesantes, que desde el primer instante te enganchas, y quieres saber hasta el grupo sanguíneo de los personajes. Por si fuera poco, abarca un tema tan real, y que afecta a tantas personas, que resulta absolutamente inevitable, posicionarse hacia un bando obvio, empatizando a su vez con los afectados por las grandes compañías farmacéuticas. Ves ambos bandos, de la mano de Liza Drake, que es el hilo conductor de toda esta trama; llevándote des del principio, pasando por la boca del lobo, cruzando por el infierno y llegando al gran clímax, donde indiscutiblemente, ya te has posicionado del bando de Liza, sintiendo lo mismo que ella, metiéndote en su piel y de llena la historia que la rodea. En este punto, ya da igual lo que te cuenten, porque ya sabes quienes son los verdaderos villanos, y quienes los “héroes”; por consiguiente, tu decisión ya está consolidada y es inamovible, debido a todas las pruebas que te ha entregado el guión. Cuando llegas al desenlace y solución de todo el conflicto sientes un alivio brutal (hecho aposta, para empatizar más con los personajes), que aumenta el nivel del guión. Solo cabe añadir, que además han incluido una especie de entrevistas en blanco y negro, a los personajes de la historia, que, junto a la voz en off de Liza Drake a lo largo de todo el relato, se categoriza como otra forma de hacerte sumergir más en la historia, involucrándote y viviéndola, mediante estás dos formas recién mencionadas de romper la cuarta pared. Como manda la tradición de los films basados en hechos reales, cambian los nombres, pero en los créditos finales, después de aparecer el título de la película, aparece una secuencia con los nombres reales y el medicamento original que hay detrás de toda esta polémica que creo este film.

La interpretación de Emily Blunt es magistral, totalmente acertada y equilibrada, ya que gracias ella, se añade el plus, de que te ayuda a empatizar más con su personaje, entender por lo que pasa, compadecerte y dejarte llevar por ella, en su misión de hilo conductor. No puedo decir lo mismo de Chris Evans y Andy Garcia, porque Chris Evans es un actor que interpreta bien, pero y siempre le acompaña este, pero, solo da lo justo y un poco más, para que no le diga que da poco, siempre está en su línea y ahí se mantiene por mucho tiempo. Andy Garcia es un actor que vive estancado, el mismo tipo de personajes, mismo nivel interpretativo y de ahí no sale; algo que se puede ver claramente como repercute en su carrera como actor.

David Yates ha consigo hacer partícipe al espectador, metiéndolo de lleno en la trama, a traves de una dirección de actores simbiótica y totalmente acertada, y un guión técnico algo diferente a la norma, que logra hacer que entres más en el relato, veas la verdad y se despierte tu interés de principio a fin.

NACHO STARS: 8

Nacho Miret

EL PÁJARO LOCO

 Woody Woodpecker goes to Camp es una película juvenil dirigida a un público muy concretos, repleta de clichés y momentos demasiado predecibles. Pero que aún y así ha sabido romper con los esquemas, aportar cierta novedad y hacer reír tanto a mayores como a jóvenes. En pleno dos mil veinticuatro, ya no se trata de si la película es predecible o no, porque todas las historias ya las inventaron los griegos; actualmente consiste en cuanto y como de predecible es, y lo que le das al espectador, para que no se centre en este detalle y se entretenga. Además, han sabido captar a la perfección la esencia loca del pájaro loco, por lo que, todos los fans que crecimos con su serie de dibujos animados, vamos a volver a nuestra infancia, haciendo un viaje al pasado. El recurso de que Woody (el pájaro loco) rompa la cuarta pared y de repente se ponga a hablar, e incluso interactuar con el espectador, rompe cualquier esquema, logra diferenciarla del resto e incluso meterte más en la meter de Woody. Posee una parte moralista que se encarga de ensalzar hasta lo máximo posible, el trabajo en equipo; algo muy típico en esta clase de guiones. Todos los films de este tipo, están predominados por un lema muy concreto, que intenta inculcar de todas las formas y mediante todas las vías posibles al espectador, es la esencia de este tipo de guión. No les puedes recriminar que le den demasiado protagonismo a ese mensaje moralista, porque están hechas para eso. A su modo sirven para educar a ciertas personas. La trama y el tratamiento del guión, encaja a la perfección, ya que también ayuda a empatizar con los personajes y su evolución, que por consiguiente consigue, que te impliques y sumerjas más en la historia que te están contando.

Los efectos visuales, que en este caso vienen a ser, el diseño 3D de los personajes, para integrarlos bien a la realidad, está dividida en dos partes: La primera: que han cuidado muy bien la imagen y diseño de todos los personajes que no son reales, la sombras, iluminación y demás, pero y lo que nos lleva a.. la segunda: en determinados momentos muy precisos, si observar en el lugar y momento exacto podrás ver como los personajes reales y los virtuales no encajan, sobresaliendo por un instante muy breve, los virtuales.  

La interpretación de Mary-Louise Parker, Josh Lawson, Chloe De Los Santos son las más destacables, ya que lo han hecho de una manera totalmente equilibrada y acertada, ayudando al público a empatizar más con sus personajes y entender porque son como son.

Jonathan A. Rosenbaum ha conseguido dirigir a los actores a la perfección, porque entre otras cosas, ha conseguido una interpretación acorde al tipo de película que nos da, hasta la sobreactuación de ciertas ocasiones a logrado justificar, haciendo que no la puedas rebatir. Pero no solo eso, hasta en guión técnico encaja de una forma completamente insuperable, lo que hace ver el buen trabajo del director.  

NACHO STARS: 6,10

Nacho Miret

BERNSTEIN

 Maestro es una película que básicamente se centra en lo artístico, ya que te narra al detalle la vida de Leonard Bernstein (Bradley Cooper) un amante de la música que era compositor, director de orquesta y pianista, además de una persona con una sexualidad brutalmente abierta, que no la escondía, hasta que en determinado momento tubo que aprender a ser discreto porque incluso le trajo múltiples problemas con su mujer Felicia Montealegre (Carey Mulligan); una mujer que tras llevar más de veinte años a su lado, se sacó un master en paciencia y tubo que aprender a escucharse a si misma, después de ver los amoríos de su marido con otros hombres y aun así la seguía amando; una relación algo compleja. Este guión esta caracterizado por ser lento, pero no en cuanto a la trama, sino en que hagan efecto cada recurso palabra y demás del guión puesto ahí para llegar al espectador. Posee unas elipsis temporales totalmente perfectas, rápidas y bien encajadas. Además, para introducir algunas de dichas elipsis, Bradley Cooper, recurre al viejo truco, de un personaje justo en medio, que sirve como excusa y anclaje para meter el corte, y como está ese personaje, en esa posición tan estratégica, el corte pasa completamente desapercibido. La trama está dividida en tres etapas, que son absolutamente que visibles, debido que con la dirección de fotografia se han encargado que diferenciarlas, mediante el: blanco y negro, una iluminación algo setentera más o menos y una más actual. Pero hasta esto, está hecho aposta, porque así se logra ver la clara evolución de los personajes y hacer una especie de homenaje a los films y sus producciones que se solían emitir en las épocas, en las que transcurre la parte de la historia en la que te estas fijando, en ese preciso instante. Al inicio, el guión te hace dudar de ciertos detalles que forman la personalidad de Leonard Bernstein; pero de un modo muy sutil, el guión te hace entender que eso forma parte de la estrategia. Han incluido momentos históricos cinematográfico, para hacer referencias y resaltar desde el lugar en el que estamos (el cine), la importancia que tuvo Leonard Bernstein, ya que compuso la banda musical de West Side Story (Jerome Robbins y Robert Wise, 1961). Cada detalle esta puesto y planeado estratégicamente para hacerte apreciar la maravilla que es la música, pero sin descuidar la cara oculta de Leonard Bernstein.    

Las interpretaciones de Bradley Cooper y Carey Mulligan, son tardías ya que tardan, al igual que el guión, en hacer efecto, pero cuando llegan, lo hacen tan potentes que te pilla desprevenido. Puedes llegar a apreciar, lo buenas que son y el talento que tienen ambos actores. Pero eso sí, tengo que destacar que, la que sobresale por encima de todo, sin lugar a duda es la de Bradley Cooper. Los cuales puedes ver los matices de su espectacular y perfecta interpretación en un momento muy preciso, si eres muy buen observador; porque si no, se te escapa y ya no lo vuelves a ver.  

Bradley Cooper ha recreado y homenajeado el guión época, que predomina cada etapa de Leonard Bernstein, con solo con el etalonaje y la dirección de fotografía; sino que tambien como acabo de mencionar dividiendo el guión técnico y adaptándolo, encima lo encaja a la perfección y con fundamentos. Bradley Cooper es el hombre orquesta, porque dirige, escribe, actua y produce sus proyectos y encima lo hace a la perfección; el hombre que esta en todas partes, atento y responsable. Es como un reloj suizo.   

NACHO STARS: 7,10

Nacho Miret 

EL MIEDO

Orion and the Dark una película que te habla de la esencia del miedo, de cómo superarlos, de un modo muy educativo, didáctico y gráfico. Ya que nos cuenta la historia de un niño que le tiene miedo absolutamente a todo; y conocemos su relato mediante los dibujos que hace en su inseparable libreta al estilo El diario de Greg, una serie que empezó en dos mil diez. A medida que se desarrolla el relato descubrimos el miedo principal de Orion (el protagonista de esta historia), el cuál le domina por completo, y que sobresale por encima de todos: La oscuridad. Pero tambien vemos que es un miedo que pasa de generación en generación, que se lo paso a su hija y muy posiblemente lo tenga su nito. Ya que nos cuenta la historia simultáneamente saltando ordenadamente entre tres líneas temporales: Orion de niño, adulto y anciano. Vinculas las tres líneas temporales mediante los personajes que son de la misma familia, pero, sobre todo, a traves de unas entidades sobrenaturales, que son las encargadas de intentar de poner fin a los problemas de Orion. Enseñándole que no se trata de superar el miedo, sino de, no dejar que el miedo te domine; porque el miedo está ahí para algo. Por si fuera poco, el propio guión se encarga de hacer autocritica y nos cuenta acostumbran a ser este tipo de films, y que eso no puede ser que debe acabar. Ves como eso representa un punto de inflexión para cambiar el guión en mitad de la trama, haciéndola más interesante. Consigue una cohesión entre las diferentes líneas temporales y la parte moralista, tan perfecta y equilibrada que ninguna eclipsa a la otra, sino que, todo lo contrario, se compenetran tanto que se realzan mutuamente. Se puede apreciar claramente el crecimiento personal de Orion, iniciando por la fase de insoportable, pasando para la de las revelaciones y finalizando en la de madurez. Por si fuera poco, mediante las otras líneas temporales, contribuye a la narrativa, potenciándola, y explicándote partes del pasado, sin decírtelo en esa línea temporal.  Es un guión que abarca las distintas formas de dialogo y ejecución de una historia. También hay que añadir evidentes referencias muy sutiles a: El diario de Greg, It (específicamente a Pennywise) y a Stranger Things.  

El diseño gráfico, 3D, esta tan perfeccionado, que se nota hasta el más minimo detalle, de la cantidad de horas de trabajos invertidas, por ejemplo, en el etalonaje. Jugando con distintos tonos de negros, con una minúscula diferencia casi imperceptible para el ojo humano, a menos que seas muy buen observador; obteniendo una profundidad y cuidado de la imagen tan brutal, que conquista al espectador, ayudándolo a sumergirse más en la historia, olvidándose de que es una película de animación, en ciertos instantes.

Sean Charmatz se ha encargado a la perfeccion a traves del guión técnico y el diseño gráfico de que el espectador se sumerja de lleno en la historia de Orion, empatice con él irremediablemente y viva sus miedos junto con él, acompañándolo a lo largo de esta sobrenatural aventura. 

 

NACHOS STARS: 7

Nacho Miret

BARBIE

 Barbie rompe esquemas incluso antes de empezar a verla, porque ya de entrada te esperas ver otra película más, donde lo único que van a hacer es venderte más el producto, para que quieras comprarlo, capitalismo puro y duro, a eso yo le llamo una Película Anuncio. Pues en esta ocasión, hasta con eso rompe patrones; a ver si, tiene su parte comercial para vender a Barbie, obviamente, pero no eclipsa toda la trama, eso es solo un diez por ciento. El guión esta dotado de una parte cómica que resulta inevitablemente graciosa, debido a lo ridículo y surrealista que puede llegar a ser la situación. Llegando a tales niveles que te es completamente imposible contener la risa. Le han otorgado a la trama una historia paralela de una madre: Gloria (America Ferrera) que intenta recuperar su relación con su hija, viviendo esos recuerdos preciosos a través de una Barbie, que es la que usaban cuando jugaban juntas, cuando Sasha (Ariana Greenblatt) era pequeña. Al principio del film, se puede ver una clara referencia a 2001: A Space Odyssey (Stanley Kubrick, 1968), para presentar a Barbie (Margot Robbie), primero en forma de muñeca y después humana, pero gigante; mientras escuchamos la voz de Helen Mirren narrándonos la historia y explicándonos cada detalle, para entenderlo perfectamente. Incluso, Helen Mirren, juega un papel importante en la película que ayuda a diferenciarla del resto; rompiendo la cuarta pared en un momento determinado: explicándote que lo que estás viendo no es real, que es solo una película, y que los personajes no existen, que tan solo son personas reales, que se ganan la vida como Actores, y que su trabajo consiste en fingir ser otra persona. Es como que te chasquea los dedos delante la cara y te dice: Eh despierta que esto no es real, a modo de toque de atención. Pero lo hace de un modo tan brillante y simbiótico, que encaja a la perfección e incluso lo agradeces. En esta ocasión, nos plantean a una Barbie, que sufre sucesos extraños para su mundo llamado Barbilandia (que se ve que es una realidad paralela, que comunica con el mundo real), debido a que alguien esta vinculada con ella, lo que provocara un viaje interdimensional, desencadenando en un crecimiento personal muy intenso, poniendo patas arriba el mundo que conocía hasta ahora, creando una crisis existencial por el camino, que la hara descubrirse a si misma. Posee una parte moralista muy intensa y aleccionadora. Tambien te habla de lo absurdo que es el tanto el concepto como el de las mujeres al poder, como el de los hombres al poder; remarca el hecho que no verdaderamente genuino e importante, es que ninguno de los dos debería estar por encima del otro; ambos, con los mismos derechos y oportunidades. Te plantea un punto de vista muy interesante, resaltado el hecho de que debes ser tu mismo/a y aceptarte tal y como seas, sin dejar que nadie te diga como debes ser.

La interpretación de Margot Robbie y Ryan Gosling, es perfecta, compenetrante y con un muy buen trabajo de dirección detrás, que demuestra que han cuidado hasta él más minimo detalle y los actores, se han encargado de construir y prepararse bien el personaje. Además de que ayuda a empatizar con sus personajes, y entender más la historia que les rodea.  

Greta Gerwig ha conseguido romper todos los esquemas prestablecidos, llevar un mensaje claro a la pantalla, una dirección de actores impecable, y, por si fuera poco, conseguir llevar de la mano al espectador sin que se de cuenta. Algo que se agradece, el hecho de que sea invisible.

NACHO STARS: 6,10

Nacho Miret

EL PLANETA DESIERTO

Dune: part one parece como si Star Wars y Matrix hubieran tenido un hijo, o mejor dicho en este caso, gemelos. Debido a que este remake, está justificadamente dividido en dos partes. Porque si te fijas en la trama y la construcción del guión, verás que es necesario dividirla en dos partes; además, también es por el motivo de que son dos etapas distintas. La primera (esta) es el nacimiento, la llegada al planeta desierto, el crecimiento y descubrimiento, mientras que la segunda parte, será el alzamiento, enfrentamiento y guerra; la parte fuerte. La estructura, está bien construida, planteada y tratada, lo que contribuye a que te sumerjas hasta lo más profundo de la trama, por lo que eso quiere decir que detrás hay un muy buen trabajo de los guionistas, además de por cosas que mencionare más adelante. El guión te cuenta la historia de un planeta que es todo desierto y donde habitan gusanos gigantes de más de cuatrocientos metros y una especia nativa, que son buenos guerreros, autóctonos y defensores del planeta, por consiguiente, conocen a la perfeccion cada palmo del planeta. Todo está planteado de tal modo, que se ha sintetizado perfectamente, lo que desencadena en una historia larga que se hace corta, lo que significa y manifiesta el buen trabajo de los guionistas a la hora de narrar un relato extenso en poco tiempo. También tiene que ver el hecho de estar dividida en dos partes, pero está hecho expresamente, porque el final de la primera parte coincide perfectamente con el fin de una era, dando pie a que la segunda parte, es el inicio de otra nueva, por lo que se remarca el hecho de que, está divido en dos partes, porque son dos etapas distintas, pero necesarias, ya que la una no podria coexistir sin la otra. Hay que añadir, que la presentación de los personajes, logra que crees bandos, empatizando muy fuertemente con los buenos y generando un odio extremo hacia los malos. Que el propio guión se encarga de señalar de manera muy visible e indiscutible quienes son los antagonistas de esta historia. Por si fuera poco, te explica la típica historia de siempre de una especie alienígena que intenta apoderarse de algo que crece y solo se encuentra en un planeta; que resulta ser la sustancia más valiosa del mundo, aquí la han llamado: La especie. Pero es algo, necesario para el guión ya que genera el conflicto principal, y la guerra que le sucede; sino la película sería muy aburrida e insustancial; por lo que lo convierte en un motivo fundamental. El relato se centra en Paul Atreides (Timothée Chalamet), su crecimiento personal y su papel como mesías; revelando al mismo tiempo quien y como llego hasta donde se encuentra actualmente.

La Interpretación de Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Stellan Skarsgård y Josh Brolin juegan un papel vital en el guión, ya que, al ser tan acertada, equilibrada, bien guiada y que se mimetiza a la perfección, provoca una inmersión total en la trama del film. Logrando que te pongas en el lugar de Paul Atreides, comprendas su vida, sufras por él y entiendas todo lo que le rodea, incluyendo la historia de su planeta y al que viaje que es dominado por un clima desértico y gusanos gigantes.

Denis Villeneuve ha logrado crear un equilibro excelente entre guión, interpretación y guión técnico, para lograr que el espectador se sumerja hasta las profundidades de la película. Ha dotado, a su guión técnico de unos planos, diferentes, artísticos y empatizantes, idóneos para la ocasión. También hay que aportar, el hecho de que ha sabido guiar en la dirección correcta, a los actores, dándoles instrucciones precisas e imprescindible para el actor, ya que así podrá crear al personaje con unas herramientas impecables.     

NACHO STARS: 8,2

Nacho Miret

COPIA CALCADA Y MODERNIZADA

 Road House carece de originalidad, puesto que es una copia “cutre” y modernizada de la original de mil novecientos ochenta y nueve, protagonizada por Patrick Swayze. Es la misma historia, lo único que la han trasladado a dos mil veinticuatro, y Elvut Dalton (Jake Gyllenhaal) es un ex-luchador de la UFC, que cuando se le cruzan los cables, se vuelve como una especia de Hulk, que, según él, garantiza que pierde el control y puede llegar a cargarse a su oponente; por la cuál decide retirarse de la UFC tras un incidente en el octágono; que por su propia salud mental y la de los demás decide dejarlo atrás, y llevar una vida de nómada. Pero es de esos guiones, en los que Hollywood, ha cogido un clásico y lo ha modernizado reciclando ideas, como es la costumbre de Hollywood actualmente (que no le da la gana pensar y se dedican únicamente reciclar ideas, y aquí tienes una prueba); por lo que, si te has visto Road House de mil novecientos ochenta y nueve, protagonizada por Patrick Swayze, o al menos conoces la historia, ya te has visto la versión del dos mil veinticuatro. Por consiguiente, convierte esta copia en poco interesante e insustancial. Los únicos puntos fuertes son Jake Gyllenhaal, la figura pública de Conor McGregor (solo por su nombre) y las secuencias de lucha (pero solo si disfrutas de la acción). Por todo lo demás es la típica TV Movie que echarían a las tres del medio día, después de comer, para echarse la siesta. Además, por si fuera poco, gran parte del guión es completamente predecible, así, se le suma el hecho, que, por este detalle, pierde gracia y sentido, verla. Por si fuera poco, han recurrido a los actores habituales, para esta clase de guiones, en eso no defrauda; todas las caras que puedas ver en un guión de este tipo, las vas a ver; yo los llamo Actores Habituales o Clichés Actorales.

La interpretación de Jake Gyllenhaal es uno de los mayores potenciales del film, y lo único que te mantiene pegado a la pantalla, te sumerjas en la historia y empatices con su personaje; así si no estubiera él, sería otra película del monton, muy floja y mala. Siguiendo con las interpretaciones, hay una que no se puede pasar por alto, la de Conor McGregor; porque su interpretación es completamente nula, ahí no hay ni interpretación ni personaje, ya que ese supuesto personaje es McGregor en estado puro, incluso la forma de andar de su personaje es Conor McGregor. No ves a ese supuesto personaje por ningun lado, puesto que McGregor, es así, es su personalidad como ex-luchador. Todos aquellos que han visto combates, pesajes y demás de Conor McGregor, verán perfectamente lo mismo que yo. Es Conor McGregor como luchador de la UFC, exagerado un pelín, y ya. Por lo que, al no existir interpretación no se puede hablar de tal.

Doug Liman ha hecho un trabajo como director bastante dudoso, centrándose tanto en Jake Gyllenhaal, que ha descuidado a los demás y su guión técnico no se queda atrás, porque ha metido un plano subjetivo de Jake Gyllenhaal, durante una pelea contra Conor McGregor, que no tiene ningun sentido; y solo te preguntas, que hace este plano aquí.

NACHO STARS: 5,20

Nacho Miret

WONKA

 Wonka te cuenta los inicios del famoso chocolatero (como y porque), de una manera muy entrañable, familiar y personal; que además quieras o no, la narrativa del personaje es tan profunda, que involuntariamente nos veremos inmersos en su historia personal, lo que nos hara hacer, que empaticemos irremediablemente, con el protagonista de este relato; que no es otro que el mundialmente conocido y mágico chocolatero. Antes de ver el film hay que tener dos cosas bien claras: 1- Es un musical, por lo que hay secuencias musicales, por do quier (aunque el guión no ha cogido la estructura de un musical, porque puedes ver el hilo de la historia, y tiene su sentido y lógica); 2- No es un remake, ni versión alternativa del famoso clásico Charlie y la fábrica de chocolate, es una precuela, que sirve para que entendamos como Willy Wonka (Timothée Chalamet), llego hasta donde lo conocemos actualmente, al mismo tiempo que conocemos cada detalle de su vida, con profundidad. Es un guión fiel y que sigue en la misma línea que sus predecesoras. Aunque eso sí, también posee sus puntos débiles, como, por ejemplo: que el guión va saltando del formato cine al de teatro, en diversas ocasiones; algo que no tendría que suceder ya que estamos en el formato cine, porque no te debería dar la sensación de ver una obra de teatro, múltiples veces; cosa que sucede. A parte de eso, también hay que decir, que el guión está dotado de tal fuerza que te sumerge en la trama y te acompaña durante toda la mágica película. Existen diversas escenas, donde las elipsis temporales predominan, para resumir de un modo muy mágico y suave el paso del tiempo. Las elipsis temporales empiezan como un sueño despierto de Wonka, pasando a convertirse en una realidad, con una simbiosis, exageradamente perfecta. La historia no es todo luz y color, también tiene sus momentos dramáticos y oscuros. Incluyendo una trama de corrupción protagonizada por unos antagonistas muy típicos de alta clase social, dotados de una frialdad asombrosa y muy propios del teatro. El guión te hara vivir una aventura, trepidante, colorida, mágica, con altibajos, y llena de sorpresas. Como no, los Oompa Loompa, no podían faltar, aunque en esta ocasión el verdadero “protagonista” es uno solo, encarnizado por el gran Hugh Grant; cuyas apariciones van a ser escasas y espontaneas, hasta que lleguemos al final del relato, no vamos a poder disfrutar de una aparición suya más larga; y aún así se nos hara corta.

La interpretación de Timothée Chalamet y Hugh Grant son perfectas, idóneas y totalmente encajadas, porque ayudan a empatizar aún más con el personaje de Willy Wonka, entendiendo más su vida al detalle, viviendo sus sueños y sufriendo con él. Cosa que no puedo decir lo mismo de Paterson Joseph, que sobreactua tanto, de tantas formas inimaginables que hasta hace daño a la vista; Matt Lucas, cuya interpretación se ve muy limitada, la cual se podría definir solamente como un diccionario andante, cuya única función es explicar los chistes y bromas de sus compañeros; y Mathew Baynton, que sufre el mismo problema que Matt Lucas, pero en su caso, la única aportación al film es hacer el gesto de vomitar, cada vez que dicen la palabra pobres, y ya. Además, Olivia Colman, nose queda atrás, sigue los pasos de Paterson Joseph, aunque en una dosis más pequeña, es una película, que para nada le hace justicia, con lo buena actriz que es.

Paul King ha conseguido una dirección de actores desmedida y completamente desequilibrada, porque una mitad lo hace perfecto y la otra mitad, lo hace desastrosamente mal; tendría que haber estado más, encima de los actores, para poder controlar mejor las interpretaciones. Además, el guión técnico tampoco esta equilibrado del todo, si vale refuerza y se centra, en lo que tiene que fortalecer, y se agradece, pero lo demás lo descuida.

Nacho Stars: 7,40

Nacho Miret   

EL MATEMÁTICO MILLONARIO

 Jerry & Marge Go Large es una película donde te da a conocer la historia de un hombre con un don increíble, el de las matemáticas, se le dan realmente espectacular los numeros; a tal nivel que es el único tema que ronda por su cabeza y a partir del cual hace partidamente todo. Cuya habilidad le llevo a encontrar un fallo en la lotería, por consiguiente, lo usaría a su favor, para ganar dinero, pero honesta y legalmente. En cierto modo, si eres perspicaz y muy buen observador, sabiendo donde mirar; se plantea la posibilidad de que Jerry tiene Asperger (pero es una teoría, basada en características, que manifiesta el personaje y pistas inconscientes o voluntarias, muy fehacientes y reales, que da el guión). Cada detalle está pensado para mantenerte atrapado, incluso el antagonista tan joven que te presentan, que además también sirve para diferenciarlo de los otros films, basados en hechos reales, y así poder evitar pensar, que es otra película más que narra las increíbles hazañas de una persona, con una habilidad increíble. La trama te atrapa des del inicia hasta el final, incluyendo la parte cómica, que aporta su granito de arena a mantener al espectador. La estructura del guión, tiene buena cimientos, una construcción bien sólida y con cada elemento bien argumentado, equilibrado, en lugar exacto y con simbiosis que ayuda aún más a vivir de lleno la historia, empatizando del todo con Jerry (Bryan Cranston). Entendiendo porque hace lo que hace y que lo ha llevado hasta ahí. Por si fuera poco, el guión ha encontrado la cantidad precisa de chistes, el momento en el que contarlos y el modo, logrando que resulten graciosos, causando que incontrolablemente te rías. Es un film que te hace partícipe de la historia, entretenido, divertido y que te deja con ganas de más; te despierta la curiosidad.

La interpretación de Bryan Cranston es sublime, pasional, sincera y digna del gran peso que lleva encima su nombre, debido que es una leyenda de Hollywood de tal magnitud que pocos podrían llegar a su nivel. Además, Annette Bening y Rainn Wilson, no se quedan atrás también hacen justicia a sus nombres, aunque indudablemente en esta ocasión el que más destaca es Bryan Cranston. Ya que es el hilo conductor de la trama, y el cuál consigue reforzar el guión con su magnífica interpretación, provocando que aún profundices más en historia, la trama y la vida de Jerry; incluyendo que tu interés aumente.

David Frankel ha conseguido el equilibro perfecto entre guión, interpretación, realidad y guión técnico. Logrando una fusión inigualable, haciendo al mismo tiempo que se una historia nueva, partiendo que este tipo de guiones se suelen utilizar mucho, es decir, ha cogido algo mi visto y ha conseguido algo innovador. También consigue que, aunque el guión técnico no nada del otro mundo, y es algo muy sistemático, sea poco común, sirviendo este guión técnico como justificación, para incentivar el interés y magnificar, detalles necesarios del guión.  

NACHO STARS: 8

Nacho Miret

La princesa guerrera dragón

 Damsel es una película que desaprovecha el tiempo, porque tiene una introducción bastante lenta, predecible y pluscuamperfecta. Te presenta a los personajes de una manera que dudosamente empatizarías con ellos, porque ves lo que has visto un millón de veces, en centenares de films como este, en el que los habitantes de un reino no atraviesan su mejor momento y están en las ultimas, por consiguiente, se ven obligados a aceptar un trato muy propio de la edad media (el siglo XVI); donde dos linajes se unían en un enlace matrimonial para salvar a uno de los bandos. Pero no es solo eso, sino que durante toda la primera mitad de la película los personajes usan un lenguaje muy literario, perfecto y educado; que si, que puede ser el habitual en esa época; pero es como digo yo, ese lenguaje que han utilizado, es demasiado refinado. Pues si eres capaz de aguantar unos quince o veinte minutos más o menos (básicamente la primera parte) del film, podrás disfrutar de una buena aventura. Porque pese ha estar repleta de clichés muy viejos, detalles demasiado predecibles en la introducción; que es el momento crucial para atrapar al espectador, y en está ocasión lo desperdician, algo demasiado arriesgado y peligroso; resulta ser un film potente, que engancha, empatizas con la protagonista y te sumerges en la historia. Básicamente, la estructura del guión es algo lenta y tardía pero dura. Y cuando logras empatizar con Elodie (Millie Bobby Brown) descubres que se ha convertido en una especie de Princesa Guerrera Dragón; una forma bastante buena de empoderar a un personaje femenino; no como en otras películas, donde lo hacen de un modo totalmente erróneo, donde el fracaso esta garantizado, debido que roban clásicos del cine y los reinventan con el tema recién mencionado, en vez de crear una historia original y asi tener el éxito posiblemente asegurado.

La interpretación de Millie Bobby Brown es justa y acertada, aunque un poco sobreactuada en un determinado momento, pero a menos que tengas buen ojo, no lo podrás apreciar, porque es un instante demasiado fugaz, por lo que lo convierte al mismo tiempo en cierto modo, en la razón por la que no darle mucha importancia. Algo que no le sucede a Angela Bassett, cuya interpretación está cargada de sobreactuaciones, en demasiado momento, por lo que se hace absolutamente imposible pasarlo por alto.

Juan Carlos Fresnadillo tendría que haberle dedicado más tiempo a como presentarle el guion al espectador, porque a desaprovechado oportunidades muy valiosas, las cuales en mi humilde opinión no te puedes permitir ese lujo, porque puedes perder demasiado espectadores, algo totalmente espeluznante y desaconsejable. A parte de construir un guión técnico muy esquemático y nada fuera de lo común, pero que no perjudica. En cuanto a la dirección de actores, tendría que haber estado más encima de los actores, por los detalles mencionados anteriormente; pero por lo demás completamente equilibrado y conveniente.    

Nacho Stars: 6,50

Nacho Miret