BERNSTEIN

 Maestro es una película que básicamente se centra en lo artístico, ya que te narra al detalle la vida de Leonard Bernstein (Bradley Cooper) un amante de la música que era compositor, director de orquesta y pianista, además de una persona con una sexualidad brutalmente abierta, que no la escondía, hasta que en determinado momento tubo que aprender a ser discreto porque incluso le trajo múltiples problemas con su mujer Felicia Montealegre (Carey Mulligan); una mujer que tras llevar más de veinte años a su lado, se sacó un master en paciencia y tubo que aprender a escucharse a si misma, después de ver los amoríos de su marido con otros hombres y aun así la seguía amando; una relación algo compleja. Este guión esta caracterizado por ser lento, pero no en cuanto a la trama, sino en que hagan efecto cada recurso palabra y demás del guión puesto ahí para llegar al espectador. Posee unas elipsis temporales totalmente perfectas, rápidas y bien encajadas. Además, para introducir algunas de dichas elipsis, Bradley Cooper, recurre al viejo truco, de un personaje justo en medio, que sirve como excusa y anclaje para meter el corte, y como está ese personaje, en esa posición tan estratégica, el corte pasa completamente desapercibido. La trama está dividida en tres etapas, que son absolutamente que visibles, debido que con la dirección de fotografia se han encargado que diferenciarlas, mediante el: blanco y negro, una iluminación algo setentera más o menos y una más actual. Pero hasta esto, está hecho aposta, porque así se logra ver la clara evolución de los personajes y hacer una especie de homenaje a los films y sus producciones que se solían emitir en las épocas, en las que transcurre la parte de la historia en la que te estas fijando, en ese preciso instante. Al inicio, el guión te hace dudar de ciertos detalles que forman la personalidad de Leonard Bernstein; pero de un modo muy sutil, el guión te hace entender que eso forma parte de la estrategia. Han incluido momentos históricos cinematográfico, para hacer referencias y resaltar desde el lugar en el que estamos (el cine), la importancia que tuvo Leonard Bernstein, ya que compuso la banda musical de West Side Story (Jerome Robbins y Robert Wise, 1961). Cada detalle esta puesto y planeado estratégicamente para hacerte apreciar la maravilla que es la música, pero sin descuidar la cara oculta de Leonard Bernstein.    

Las interpretaciones de Bradley Cooper y Carey Mulligan, son tardías ya que tardan, al igual que el guión, en hacer efecto, pero cuando llegan, lo hacen tan potentes que te pilla desprevenido. Puedes llegar a apreciar, lo buenas que son y el talento que tienen ambos actores. Pero eso sí, tengo que destacar que, la que sobresale por encima de todo, sin lugar a duda es la de Bradley Cooper. Los cuales puedes ver los matices de su espectacular y perfecta interpretación en un momento muy preciso, si eres muy buen observador; porque si no, se te escapa y ya no lo vuelves a ver.  

Bradley Cooper ha recreado y homenajeado el guión época, que predomina cada etapa de Leonard Bernstein, con solo con el etalonaje y la dirección de fotografía; sino que tambien como acabo de mencionar dividiendo el guión técnico y adaptándolo, encima lo encaja a la perfección y con fundamentos. Bradley Cooper es el hombre orquesta, porque dirige, escribe, actua y produce sus proyectos y encima lo hace a la perfección; el hombre que esta en todas partes, atento y responsable. Es como un reloj suizo.   

NACHO STARS: 7,10

Nacho Miret 

EL MIEDO

Orion and the Dark una película que te habla de la esencia del miedo, de cómo superarlos, de un modo muy educativo, didáctico y gráfico. Ya que nos cuenta la historia de un niño que le tiene miedo absolutamente a todo; y conocemos su relato mediante los dibujos que hace en su inseparable libreta al estilo El diario de Greg, una serie que empezó en dos mil diez. A medida que se desarrolla el relato descubrimos el miedo principal de Orion (el protagonista de esta historia), el cuál le domina por completo, y que sobresale por encima de todos: La oscuridad. Pero tambien vemos que es un miedo que pasa de generación en generación, que se lo paso a su hija y muy posiblemente lo tenga su nito. Ya que nos cuenta la historia simultáneamente saltando ordenadamente entre tres líneas temporales: Orion de niño, adulto y anciano. Vinculas las tres líneas temporales mediante los personajes que son de la misma familia, pero, sobre todo, a traves de unas entidades sobrenaturales, que son las encargadas de intentar de poner fin a los problemas de Orion. Enseñándole que no se trata de superar el miedo, sino de, no dejar que el miedo te domine; porque el miedo está ahí para algo. Por si fuera poco, el propio guión se encarga de hacer autocritica y nos cuenta acostumbran a ser este tipo de films, y que eso no puede ser que debe acabar. Ves como eso representa un punto de inflexión para cambiar el guión en mitad de la trama, haciéndola más interesante. Consigue una cohesión entre las diferentes líneas temporales y la parte moralista, tan perfecta y equilibrada que ninguna eclipsa a la otra, sino que, todo lo contrario, se compenetran tanto que se realzan mutuamente. Se puede apreciar claramente el crecimiento personal de Orion, iniciando por la fase de insoportable, pasando para la de las revelaciones y finalizando en la de madurez. Por si fuera poco, mediante las otras líneas temporales, contribuye a la narrativa, potenciándola, y explicándote partes del pasado, sin decírtelo en esa línea temporal.  Es un guión que abarca las distintas formas de dialogo y ejecución de una historia. También hay que añadir evidentes referencias muy sutiles a: El diario de Greg, It (específicamente a Pennywise) y a Stranger Things.  

El diseño gráfico, 3D, esta tan perfeccionado, que se nota hasta el más minimo detalle, de la cantidad de horas de trabajos invertidas, por ejemplo, en el etalonaje. Jugando con distintos tonos de negros, con una minúscula diferencia casi imperceptible para el ojo humano, a menos que seas muy buen observador; obteniendo una profundidad y cuidado de la imagen tan brutal, que conquista al espectador, ayudándolo a sumergirse más en la historia, olvidándose de que es una película de animación, en ciertos instantes.

Sean Charmatz se ha encargado a la perfeccion a traves del guión técnico y el diseño gráfico de que el espectador se sumerja de lleno en la historia de Orion, empatice con él irremediablemente y viva sus miedos junto con él, acompañándolo a lo largo de esta sobrenatural aventura. 

 

NACHOS STARS: 7

Nacho Miret

BARBIE

 Barbie rompe esquemas incluso antes de empezar a verla, porque ya de entrada te esperas ver otra película más, donde lo único que van a hacer es venderte más el producto, para que quieras comprarlo, capitalismo puro y duro, a eso yo le llamo una Película Anuncio. Pues en esta ocasión, hasta con eso rompe patrones; a ver si, tiene su parte comercial para vender a Barbie, obviamente, pero no eclipsa toda la trama, eso es solo un diez por ciento. El guión esta dotado de una parte cómica que resulta inevitablemente graciosa, debido a lo ridículo y surrealista que puede llegar a ser la situación. Llegando a tales niveles que te es completamente imposible contener la risa. Le han otorgado a la trama una historia paralela de una madre: Gloria (America Ferrera) que intenta recuperar su relación con su hija, viviendo esos recuerdos preciosos a través de una Barbie, que es la que usaban cuando jugaban juntas, cuando Sasha (Ariana Greenblatt) era pequeña. Al principio del film, se puede ver una clara referencia a 2001: A Space Odyssey (Stanley Kubrick, 1968), para presentar a Barbie (Margot Robbie), primero en forma de muñeca y después humana, pero gigante; mientras escuchamos la voz de Helen Mirren narrándonos la historia y explicándonos cada detalle, para entenderlo perfectamente. Incluso, Helen Mirren, juega un papel importante en la película que ayuda a diferenciarla del resto; rompiendo la cuarta pared en un momento determinado: explicándote que lo que estás viendo no es real, que es solo una película, y que los personajes no existen, que tan solo son personas reales, que se ganan la vida como Actores, y que su trabajo consiste en fingir ser otra persona. Es como que te chasquea los dedos delante la cara y te dice: Eh despierta que esto no es real, a modo de toque de atención. Pero lo hace de un modo tan brillante y simbiótico, que encaja a la perfección e incluso lo agradeces. En esta ocasión, nos plantean a una Barbie, que sufre sucesos extraños para su mundo llamado Barbilandia (que se ve que es una realidad paralela, que comunica con el mundo real), debido a que alguien esta vinculada con ella, lo que provocara un viaje interdimensional, desencadenando en un crecimiento personal muy intenso, poniendo patas arriba el mundo que conocía hasta ahora, creando una crisis existencial por el camino, que la hara descubrirse a si misma. Posee una parte moralista muy intensa y aleccionadora. Tambien te habla de lo absurdo que es el tanto el concepto como el de las mujeres al poder, como el de los hombres al poder; remarca el hecho que no verdaderamente genuino e importante, es que ninguno de los dos debería estar por encima del otro; ambos, con los mismos derechos y oportunidades. Te plantea un punto de vista muy interesante, resaltado el hecho de que debes ser tu mismo/a y aceptarte tal y como seas, sin dejar que nadie te diga como debes ser.

La interpretación de Margot Robbie y Ryan Gosling, es perfecta, compenetrante y con un muy buen trabajo de dirección detrás, que demuestra que han cuidado hasta él más minimo detalle y los actores, se han encargado de construir y prepararse bien el personaje. Además de que ayuda a empatizar con sus personajes, y entender más la historia que les rodea.  

Greta Gerwig ha conseguido romper todos los esquemas prestablecidos, llevar un mensaje claro a la pantalla, una dirección de actores impecable, y, por si fuera poco, conseguir llevar de la mano al espectador sin que se de cuenta. Algo que se agradece, el hecho de que sea invisible.

NACHO STARS: 6,10

Nacho Miret

EL PLANETA DESIERTO

Dune: part one parece como si Star Wars y Matrix hubieran tenido un hijo, o mejor dicho en este caso, gemelos. Debido a que este remake, está justificadamente dividido en dos partes. Porque si te fijas en la trama y la construcción del guión, verás que es necesario dividirla en dos partes; además, también es por el motivo de que son dos etapas distintas. La primera (esta) es el nacimiento, la llegada al planeta desierto, el crecimiento y descubrimiento, mientras que la segunda parte, será el alzamiento, enfrentamiento y guerra; la parte fuerte. La estructura, está bien construida, planteada y tratada, lo que contribuye a que te sumerjas hasta lo más profundo de la trama, por lo que eso quiere decir que detrás hay un muy buen trabajo de los guionistas, además de por cosas que mencionare más adelante. El guión te cuenta la historia de un planeta que es todo desierto y donde habitan gusanos gigantes de más de cuatrocientos metros y una especia nativa, que son buenos guerreros, autóctonos y defensores del planeta, por consiguiente, conocen a la perfeccion cada palmo del planeta. Todo está planteado de tal modo, que se ha sintetizado perfectamente, lo que desencadena en una historia larga que se hace corta, lo que significa y manifiesta el buen trabajo de los guionistas a la hora de narrar un relato extenso en poco tiempo. También tiene que ver el hecho de estar dividida en dos partes, pero está hecho expresamente, porque el final de la primera parte coincide perfectamente con el fin de una era, dando pie a que la segunda parte, es el inicio de otra nueva, por lo que se remarca el hecho de que, está divido en dos partes, porque son dos etapas distintas, pero necesarias, ya que la una no podria coexistir sin la otra. Hay que añadir, que la presentación de los personajes, logra que crees bandos, empatizando muy fuertemente con los buenos y generando un odio extremo hacia los malos. Que el propio guión se encarga de señalar de manera muy visible e indiscutible quienes son los antagonistas de esta historia. Por si fuera poco, te explica la típica historia de siempre de una especie alienígena que intenta apoderarse de algo que crece y solo se encuentra en un planeta; que resulta ser la sustancia más valiosa del mundo, aquí la han llamado: La especie. Pero es algo, necesario para el guión ya que genera el conflicto principal, y la guerra que le sucede; sino la película sería muy aburrida e insustancial; por lo que lo convierte en un motivo fundamental. El relato se centra en Paul Atreides (Timothée Chalamet), su crecimiento personal y su papel como mesías; revelando al mismo tiempo quien y como llego hasta donde se encuentra actualmente.

La Interpretación de Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Stellan Skarsgård y Josh Brolin juegan un papel vital en el guión, ya que, al ser tan acertada, equilibrada, bien guiada y que se mimetiza a la perfección, provoca una inmersión total en la trama del film. Logrando que te pongas en el lugar de Paul Atreides, comprendas su vida, sufras por él y entiendas todo lo que le rodea, incluyendo la historia de su planeta y al que viaje que es dominado por un clima desértico y gusanos gigantes.

Denis Villeneuve ha logrado crear un equilibro excelente entre guión, interpretación y guión técnico, para lograr que el espectador se sumerja hasta las profundidades de la película. Ha dotado, a su guión técnico de unos planos, diferentes, artísticos y empatizantes, idóneos para la ocasión. También hay que aportar, el hecho de que ha sabido guiar en la dirección correcta, a los actores, dándoles instrucciones precisas e imprescindible para el actor, ya que así podrá crear al personaje con unas herramientas impecables.     

NACHO STARS: 8,2

Nacho Miret

COPIA CALCADA Y MODERNIZADA

 Road House carece de originalidad, puesto que es una copia “cutre” y modernizada de la original de mil novecientos ochenta y nueve, protagonizada por Patrick Swayze. Es la misma historia, lo único que la han trasladado a dos mil veinticuatro, y Elvut Dalton (Jake Gyllenhaal) es un ex-luchador de la UFC, que cuando se le cruzan los cables, se vuelve como una especia de Hulk, que, según él, garantiza que pierde el control y puede llegar a cargarse a su oponente; por la cuál decide retirarse de la UFC tras un incidente en el octágono; que por su propia salud mental y la de los demás decide dejarlo atrás, y llevar una vida de nómada. Pero es de esos guiones, en los que Hollywood, ha cogido un clásico y lo ha modernizado reciclando ideas, como es la costumbre de Hollywood actualmente (que no le da la gana pensar y se dedican únicamente reciclar ideas, y aquí tienes una prueba); por lo que, si te has visto Road House de mil novecientos ochenta y nueve, protagonizada por Patrick Swayze, o al menos conoces la historia, ya te has visto la versión del dos mil veinticuatro. Por consiguiente, convierte esta copia en poco interesante e insustancial. Los únicos puntos fuertes son Jake Gyllenhaal, la figura pública de Conor McGregor (solo por su nombre) y las secuencias de lucha (pero solo si disfrutas de la acción). Por todo lo demás es la típica TV Movie que echarían a las tres del medio día, después de comer, para echarse la siesta. Además, por si fuera poco, gran parte del guión es completamente predecible, así, se le suma el hecho, que, por este detalle, pierde gracia y sentido, verla. Por si fuera poco, han recurrido a los actores habituales, para esta clase de guiones, en eso no defrauda; todas las caras que puedas ver en un guión de este tipo, las vas a ver; yo los llamo Actores Habituales o Clichés Actorales.

La interpretación de Jake Gyllenhaal es uno de los mayores potenciales del film, y lo único que te mantiene pegado a la pantalla, te sumerjas en la historia y empatices con su personaje; así si no estubiera él, sería otra película del monton, muy floja y mala. Siguiendo con las interpretaciones, hay una que no se puede pasar por alto, la de Conor McGregor; porque su interpretación es completamente nula, ahí no hay ni interpretación ni personaje, ya que ese supuesto personaje es McGregor en estado puro, incluso la forma de andar de su personaje es Conor McGregor. No ves a ese supuesto personaje por ningun lado, puesto que McGregor, es así, es su personalidad como ex-luchador. Todos aquellos que han visto combates, pesajes y demás de Conor McGregor, verán perfectamente lo mismo que yo. Es Conor McGregor como luchador de la UFC, exagerado un pelín, y ya. Por lo que, al no existir interpretación no se puede hablar de tal.

Doug Liman ha hecho un trabajo como director bastante dudoso, centrándose tanto en Jake Gyllenhaal, que ha descuidado a los demás y su guión técnico no se queda atrás, porque ha metido un plano subjetivo de Jake Gyllenhaal, durante una pelea contra Conor McGregor, que no tiene ningun sentido; y solo te preguntas, que hace este plano aquí.

NACHO STARS: 5,20

Nacho Miret

WONKA

 Wonka te cuenta los inicios del famoso chocolatero (como y porque), de una manera muy entrañable, familiar y personal; que además quieras o no, la narrativa del personaje es tan profunda, que involuntariamente nos veremos inmersos en su historia personal, lo que nos hara hacer, que empaticemos irremediablemente, con el protagonista de este relato; que no es otro que el mundialmente conocido y mágico chocolatero. Antes de ver el film hay que tener dos cosas bien claras: 1- Es un musical, por lo que hay secuencias musicales, por do quier (aunque el guión no ha cogido la estructura de un musical, porque puedes ver el hilo de la historia, y tiene su sentido y lógica); 2- No es un remake, ni versión alternativa del famoso clásico Charlie y la fábrica de chocolate, es una precuela, que sirve para que entendamos como Willy Wonka (Timothée Chalamet), llego hasta donde lo conocemos actualmente, al mismo tiempo que conocemos cada detalle de su vida, con profundidad. Es un guión fiel y que sigue en la misma línea que sus predecesoras. Aunque eso sí, también posee sus puntos débiles, como, por ejemplo: que el guión va saltando del formato cine al de teatro, en diversas ocasiones; algo que no tendría que suceder ya que estamos en el formato cine, porque no te debería dar la sensación de ver una obra de teatro, múltiples veces; cosa que sucede. A parte de eso, también hay que decir, que el guión está dotado de tal fuerza que te sumerge en la trama y te acompaña durante toda la mágica película. Existen diversas escenas, donde las elipsis temporales predominan, para resumir de un modo muy mágico y suave el paso del tiempo. Las elipsis temporales empiezan como un sueño despierto de Wonka, pasando a convertirse en una realidad, con una simbiosis, exageradamente perfecta. La historia no es todo luz y color, también tiene sus momentos dramáticos y oscuros. Incluyendo una trama de corrupción protagonizada por unos antagonistas muy típicos de alta clase social, dotados de una frialdad asombrosa y muy propios del teatro. El guión te hara vivir una aventura, trepidante, colorida, mágica, con altibajos, y llena de sorpresas. Como no, los Oompa Loompa, no podían faltar, aunque en esta ocasión el verdadero “protagonista” es uno solo, encarnizado por el gran Hugh Grant; cuyas apariciones van a ser escasas y espontaneas, hasta que lleguemos al final del relato, no vamos a poder disfrutar de una aparición suya más larga; y aún así se nos hara corta.

La interpretación de Timothée Chalamet y Hugh Grant son perfectas, idóneas y totalmente encajadas, porque ayudan a empatizar aún más con el personaje de Willy Wonka, entendiendo más su vida al detalle, viviendo sus sueños y sufriendo con él. Cosa que no puedo decir lo mismo de Paterson Joseph, que sobreactua tanto, de tantas formas inimaginables que hasta hace daño a la vista; Matt Lucas, cuya interpretación se ve muy limitada, la cual se podría definir solamente como un diccionario andante, cuya única función es explicar los chistes y bromas de sus compañeros; y Mathew Baynton, que sufre el mismo problema que Matt Lucas, pero en su caso, la única aportación al film es hacer el gesto de vomitar, cada vez que dicen la palabra pobres, y ya. Además, Olivia Colman, nose queda atrás, sigue los pasos de Paterson Joseph, aunque en una dosis más pequeña, es una película, que para nada le hace justicia, con lo buena actriz que es.

Paul King ha conseguido una dirección de actores desmedida y completamente desequilibrada, porque una mitad lo hace perfecto y la otra mitad, lo hace desastrosamente mal; tendría que haber estado más, encima de los actores, para poder controlar mejor las interpretaciones. Además, el guión técnico tampoco esta equilibrado del todo, si vale refuerza y se centra, en lo que tiene que fortalecer, y se agradece, pero lo demás lo descuida.

Nacho Stars: 7,40

Nacho Miret   

EL MATEMÁTICO MILLONARIO

 Jerry & Marge Go Large es una película donde te da a conocer la historia de un hombre con un don increíble, el de las matemáticas, se le dan realmente espectacular los numeros; a tal nivel que es el único tema que ronda por su cabeza y a partir del cual hace partidamente todo. Cuya habilidad le llevo a encontrar un fallo en la lotería, por consiguiente, lo usaría a su favor, para ganar dinero, pero honesta y legalmente. En cierto modo, si eres perspicaz y muy buen observador, sabiendo donde mirar; se plantea la posibilidad de que Jerry tiene Asperger (pero es una teoría, basada en características, que manifiesta el personaje y pistas inconscientes o voluntarias, muy fehacientes y reales, que da el guión). Cada detalle está pensado para mantenerte atrapado, incluso el antagonista tan joven que te presentan, que además también sirve para diferenciarlo de los otros films, basados en hechos reales, y así poder evitar pensar, que es otra película más que narra las increíbles hazañas de una persona, con una habilidad increíble. La trama te atrapa des del inicia hasta el final, incluyendo la parte cómica, que aporta su granito de arena a mantener al espectador. La estructura del guión, tiene buena cimientos, una construcción bien sólida y con cada elemento bien argumentado, equilibrado, en lugar exacto y con simbiosis que ayuda aún más a vivir de lleno la historia, empatizando del todo con Jerry (Bryan Cranston). Entendiendo porque hace lo que hace y que lo ha llevado hasta ahí. Por si fuera poco, el guión ha encontrado la cantidad precisa de chistes, el momento en el que contarlos y el modo, logrando que resulten graciosos, causando que incontrolablemente te rías. Es un film que te hace partícipe de la historia, entretenido, divertido y que te deja con ganas de más; te despierta la curiosidad.

La interpretación de Bryan Cranston es sublime, pasional, sincera y digna del gran peso que lleva encima su nombre, debido que es una leyenda de Hollywood de tal magnitud que pocos podrían llegar a su nivel. Además, Annette Bening y Rainn Wilson, no se quedan atrás también hacen justicia a sus nombres, aunque indudablemente en esta ocasión el que más destaca es Bryan Cranston. Ya que es el hilo conductor de la trama, y el cuál consigue reforzar el guión con su magnífica interpretación, provocando que aún profundices más en historia, la trama y la vida de Jerry; incluyendo que tu interés aumente.

David Frankel ha conseguido el equilibro perfecto entre guión, interpretación, realidad y guión técnico. Logrando una fusión inigualable, haciendo al mismo tiempo que se una historia nueva, partiendo que este tipo de guiones se suelen utilizar mucho, es decir, ha cogido algo mi visto y ha conseguido algo innovador. También consigue que, aunque el guión técnico no nada del otro mundo, y es algo muy sistemático, sea poco común, sirviendo este guión técnico como justificación, para incentivar el interés y magnificar, detalles necesarios del guión.  

NACHO STARS: 8

Nacho Miret

La princesa guerrera dragón

 Damsel es una película que desaprovecha el tiempo, porque tiene una introducción bastante lenta, predecible y pluscuamperfecta. Te presenta a los personajes de una manera que dudosamente empatizarías con ellos, porque ves lo que has visto un millón de veces, en centenares de films como este, en el que los habitantes de un reino no atraviesan su mejor momento y están en las ultimas, por consiguiente, se ven obligados a aceptar un trato muy propio de la edad media (el siglo XVI); donde dos linajes se unían en un enlace matrimonial para salvar a uno de los bandos. Pero no es solo eso, sino que durante toda la primera mitad de la película los personajes usan un lenguaje muy literario, perfecto y educado; que si, que puede ser el habitual en esa época; pero es como digo yo, ese lenguaje que han utilizado, es demasiado refinado. Pues si eres capaz de aguantar unos quince o veinte minutos más o menos (básicamente la primera parte) del film, podrás disfrutar de una buena aventura. Porque pese ha estar repleta de clichés muy viejos, detalles demasiado predecibles en la introducción; que es el momento crucial para atrapar al espectador, y en está ocasión lo desperdician, algo demasiado arriesgado y peligroso; resulta ser un film potente, que engancha, empatizas con la protagonista y te sumerges en la historia. Básicamente, la estructura del guión es algo lenta y tardía pero dura. Y cuando logras empatizar con Elodie (Millie Bobby Brown) descubres que se ha convertido en una especie de Princesa Guerrera Dragón; una forma bastante buena de empoderar a un personaje femenino; no como en otras películas, donde lo hacen de un modo totalmente erróneo, donde el fracaso esta garantizado, debido que roban clásicos del cine y los reinventan con el tema recién mencionado, en vez de crear una historia original y asi tener el éxito posiblemente asegurado.

La interpretación de Millie Bobby Brown es justa y acertada, aunque un poco sobreactuada en un determinado momento, pero a menos que tengas buen ojo, no lo podrás apreciar, porque es un instante demasiado fugaz, por lo que lo convierte al mismo tiempo en cierto modo, en la razón por la que no darle mucha importancia. Algo que no le sucede a Angela Bassett, cuya interpretación está cargada de sobreactuaciones, en demasiado momento, por lo que se hace absolutamente imposible pasarlo por alto.

Juan Carlos Fresnadillo tendría que haberle dedicado más tiempo a como presentarle el guion al espectador, porque a desaprovechado oportunidades muy valiosas, las cuales en mi humilde opinión no te puedes permitir ese lujo, porque puedes perder demasiado espectadores, algo totalmente espeluznante y desaconsejable. A parte de construir un guión técnico muy esquemático y nada fuera de lo común, pero que no perjudica. En cuanto a la dirección de actores, tendría que haber estado más encima de los actores, por los detalles mencionados anteriormente; pero por lo demás completamente equilibrado y conveniente.    

Nacho Stars: 6,50

Nacho Miret

SOBREVIVIENDO EN LOS ANDES

 

La sociedad de la nieve aparte de ser una versión que narra la tragedia de cuarenta uruguayos en los andes, donde debido a la fuerte presión atmosférica e intentar rodear la montaña para pasar de Argentina a Chile; es una historia de superación y supervivencia dura y no apta para aprensibles. Porque el guión te cuenta la historia con una crudeza y realismo brutal. Tal es la construcción de la estructura del guión, que de lo elaborada que es, logra una interacción con el espectador a unos niveles que lo convierte en participe de la historia, convirtiéndose en el pasajero numero cuarenta y uno del vuelo. Eso sí, hay que destacar que en el momento del accidente y que se parte la cola, recuerda un poco s Lost (J.J. Abrams, Jeffrey Lieber, Damon Lindelof, 2004-2010). Te cuenta la historia de los protagonistas de la tragedia, des de unos meses antes, para que los conozcas a la perfección, para de este modo lograr empatizar más con cada personaje. Se aprecia perfectamente el trabajo tan coordinado y meticuloso que han hecho Jaime Marques, Nicolás Casariego, Pablo Vierci y J.A. Bayona con el guión, porque han tenido en cuenta cada pequeño detalle de la historia, para hacer que la conozcas en profundidad, entiendas las decisiones que toman, e incluso tú te veas involucrado en esa toma de decisiones. Incluyendo la del canibalismo para poder sobrevivir tras siete dias sin comida ni haber comido nada. Esque te planten todos los argumentos de cada decisión de una manera, que te hace plantearte la posibilidad que si tengan razón los que están a favor. Cada imagen que te muestra el guión, está planteada para hacer sumergir más en la historia y la vida de los protagonistas. Por si fuera poco, en determinadas ocasiones, recurre a los flashbacks, pero de un modo, que te hacen meterte dentro de la cabeza del personaje que estás viendo en ese preciso instante, para que logres comprender, la decisión que está a punto de tomar y no le puedas reprochar nada; es decir que con imágenes te rebate los argumentos en contra. Porque en la trama, existe el dilema inmortal de en casos extremos de supervivencia, obviamente teniendo en cuenta los factores externos (porque no es lo mismo quedarse atrapado en un valle tropical o desértico arras de suelo, que a mil o dos mil metros de altura con un frio extremo), hasta donde habría que llegar para poder sobrevivir. En situaciones extremas, medidas extremas.

La interpretación de todo el elenco de la película es magistral y sublime, porque es otro factor más que consigue hacer que el espectador se meta de lleno en la piel de los protagonistas, y en cierta medida logre sentir por lo que está pasando. Es otro método de hacer que el público empatice con las víctimas de la tragedia de los Andes ocurrida en los años setenta.

J.A. Bayona refuerza la cuestión planteada de hacerte participe de la aventura extrema, convirtiéndote en un pasajero más, con una elección de planos tan minuciosa, totalmente acertada, haciendo que el guión técnico sea perfecto, acompañante (ya que ayuda a sumergirte más en la narrativa) y logrando una dirección perfectamente excelente y espectacular, merecedora del goya. Ya que cuando debes sentir agobio al igual que los personajes, utiliza unos ciertos planos cerrados todo el tiempo y en el momento de liberación un gran plano general; en resumidas cuentas, usa el plano perfecto, en el momento justo, durante el tiempo exacto, para transmitir la emoción necesaria.

NACHO STARS: 8

Nacho Miret

LA ARAÑA PSICOLOGA

 

Spaceman es una película introspectiva, es una de esos films que de entrada te esperas una cosa, y después te sorprende con otra completamente distinta. La estructura del guión está tan bien construida e integrada con el entorno que consigue que el espectador en cierta medida sea participe de la historia. Además, el orden de las secuencias consigue, que en determinados momentos te plantees las mismas dudas que Jakub Prochazka (Adam Sandler); el protagonista de esta historia: un astronauta que emprende una misión espacial de un año en solitario, para ir a investigar una especie de tormenta galáctica llamada chopra, que se halla en los alrededores de Júpiter más o menos (coordenadas establecidas mediante diálogos del protagonista). Dicho viaje estelar es una especie de Road Movie, donde los personajes de este tipo de guiones, mientras emprenden un viaje por carretera, mar, aire, o en este caso por el espacio, ejercen al mismo tiempo otro interno; y a medida que avanzan su viaje interno va haciendo que el crecimiento personal vaya aumentando y siendo más profundo, logrando y esperando que la gran y previsible revelación del personaje, venga al final de dicho viaje. En este caso en la transición del personaje de Adam Sandler intervendrán factores externos como son la tormenta galáctica chopra y Hanus, un polizonte que se cuela en la nave de Jakub, cuya voz es la de Paul Dano; que cabe mencionar que, el polizonte mencionado es una araña gigante extraterrestre (aviso para los que sufran de aracnofobia). A lo largo de dicha travesía, ambos viajeros se verán obligados a compartir espacio y a entablar una amistad, que a medida que avance la trama se verá fortalecida, ya que se harán insuperables; debido a que Hanus le hace le de psicólogo a Jakub, para ayudarle en su matrimonio que se desmorona. Spaceman es una especie de Interstellar (Christopher Nolan, 2014) mezclada con Mine (Fabio Guaglione y Fabio Resinaro, 2016). Una película que te atrapara de principio a fin catalogada como un Drama pero que no te hace llorar, ni tener miedo, ni momentos de acción; es lo que yo llamo un film “tranquilo”, reflexivo; con un aviso importante de aracnofobia y vermifobia (fobia a los gusanos).

La interpretación de Adam Sandler es excelente, espectacular, introvertida e intensa a su manera. Es un actor que se le acabo la chispa y el sentido en la Comedia, porque ya no hacia nada de gracia; te sabias todos sus chistes y bromas de memoria, además de verse ya demasiado forzado. Pues a decidido dar el salto a los Dramas y abandonar las Comedias, y en mi opinión personal y como crítico de cine es de las mejores decisiones que ha podido tomar, porque los dramas se le dan realmente bien; algo que se puede apreciar perfectamente en Spaceman. Ya que además si maravillosa interpretación te ayuda a sumergirte aún más en la historia y empatizar más con su personaje y con el de Hanus.

Johan Renck ha conseguido hacerte participe de la historia mediante el guión técnico: que, aunque algo habitual, también acompañante, porque te guía a lo largo de toda la aventura; y una dirección de actores completamente perfecta, equilibrada, interactiva y simbiótica.

NACHO STARS: 8

Nacho Miret

DEL JUEGO DE MESA A LA GRAN PANTALLA

 

Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves es un film aventurero, cómico y muy interesante que te mantendrá pegado a la pantalla desde el primer segundo al último. Porque mediante la voz en off, el guion se encarga personalmente de que empatices con cada uno de los personajes, mediante el hecho de que te explican cada detalle de su vida de una forma inmersiva. Con la introducción, conoces a los verdaderos protagonistas de la historia: Edgin (Chris Pine), un hombre vencido por su codicia y sed de venganza y Holga (Michelle Rodriguez), una mujer que es una mezcla entre una valquiria y una bárbara. Ellos dos son entorno a los cuales gira la trama pero, los miembros que forman su equipo de ladrones son los encargados que ejercer la presión necesaria para que ambos, se vean influenciados por los puntos de inflexión y así provoquen el crecimiento del personaje deseado y esperado, que ayudará a que la historia siga su camino. Posee un humor tan simple y eficaz que, hasta la más minúscula partícula de esta parte cómica del guion funciona y te hacer reír de algún modo u otro porque toca distintos tipos de humor, como por ejemplo: el fácil que consiste en hacer reír mediante chorradas, el que se le podría denominar como el de la sinceridad porque únicamente dicen verdades como puños sin pasar por el filtro pero, sin resultar ofensivas y en determinadas ocasiones, el humor inteligente. Ciertos detalles son bastante predecibles pero, en la actualidad, ¿qué película no es predecible? Ya que los griegos ya lo inventaron todo. Hoy en día es muy difícil hacer un film que no sea previsible. La construcción, evolución, tratamiento y estructura del guion es super equilibrada, perfecta y simbiótica. Es la película perfecta para los amantes de Dungeons and Dragons. Incluso si no has jugado nunca, has oído hablar y/o sabes más o menos de que va... te enteras más de todo. Es que, por si fuera poco, la parte cómica la hace más entretenida y que enganche más por lo que la parte cómica, junto con la parte seria, la convierten en un film actual interesante, referenciando de forma coherente al famoso juego de mesa homónimo.

Varias de las interpretaciones, son destacables pero, si tuviera que elegir con cual quedarme, en primer puesto me quedo con la de Chris Pine porque es el encargado de cogerte de la mano y sumergirte en la historia. Le da vida al guion y a la parte cómica. Por decirlo de un modo, es el acompañante perfecto para esta trepidante aventura. Es como si contrataras al mejor guía del lugar que se conoce hasta el más pequeño y oscuro rincón del mapa que, por si fuera poco, su interpretación es creíble, sincera, pasional y curiosa. Hugh Grant y Michelle Rodríguez no se quedan atrás pero, sí conoces la trayectoria de Hugh Grant ves que no se aleja mucho de su zona de confort por lo que, en el segundo puesto esta Michelle Rodríguez.

John Francis Daley y Jonathan Goldstein han construido un guion técnico bastante sistemático pero, al mismo tiempo brillante y diferente. En un plano han gastado toda la belleza estética y la dirección de los actores es totalmente acertada, equilibrada y perfecta.

NACHO STARS:  7,45

Nacho Miret

CINE COMERCIALIZADO

Tyler Rake 2 es un guión nada innovador, poco original, idéntico a la antecesora, comercial a más no poder, personal, activa y cargada de secuencias que producen adrenalina, pero algo habitual en esta clase de guiones. La introducción te presenta a Tyler Rake (Chris Hemsworth) después del incidente ocurrido en la secuencia de cierre en Tyler Rake, en el cual podemos ver como Tyler Rake resucita, y gracias a quien. En está ocasión el guión está dividido en dos bloques, el primero en el que es el renacimiento del protagonista y el segundo que es donde se plantea el nuevo encargo, que recibirá el Tyler Rake; en el cuál se puede apreciar la trama replicada de la primera entrega. En está ocasión podemos indagar un poco más en el pasado de Tyler, para comprenderle un poco más, humanizarlo más y entender porque hizo lo que hizo, y la razón por la que opto por este estilo de vida. A partir de aquí él guión se vuelve predecible, fácil y repetitivo. En todo momento se saber con antelación lo que sucederá; porque el guión ha sido construido sobre una estructura, que se ha usado más de un millón de veces, y que es muy habitual en las películas de sobremesa de Steven Segal, las cuales destacan todas por ser idénticas en cuanto a la narrativa y la construcción. Con esta secuela, lo único que nos han demostrado es lo comercializado que está el cine actualmente, y que les interesa más ganar dinero que crear una historia original. Ya sucedió con Avatar 2, la forma del agua y Shazam 2 la furia de los dioses, entre otras muchas; y Tyler Rake 2 no podía ser menos, y han hecho lo mismo: reciclar la historia; es la misma historia, pero diferente capítulo. La narrativa es tan clásica que cada uno de los giros, los ves incluso cuando empieza el film. Es tan monótona, que se hace incluso pesada. Para ahorrar tiempo, si has visto la primera de Tyler Rake, no hace falta que veas la segunda, porque es otra vez más de lo mismo, pero con más espectáculo y más acción al estilo Michael Bay. Además, los supuestos presos georgianos, les han otorgado una movilidad y un comportamiento, que más que presos parecen zombies, con muchas ansias que llevan siglos son comer y son muy rápidos. Por si fuera poco, los villanos, son al más puro estereotipos mafiosos venidos arriba, que todos sus secuaces son moles gigantescas, con músculos por todas partes, mujeres masculinas que podrían tumbar un tanque si quisieran y ansias de nuevo que se preocupan más por atacar al rival a una velocidad poco normal, en vez de tener dos dedos de frente y usar la lógica para establecer una buena estrategia. Es un guión pensado para que el personaje de Chris Hemsworth, se luzca, al estilo Los Mercenarios. El guión está sobrecargado de clichés mires donde mires. Tiene un final sincero, directo, previsible, fácil y pensado para una secuela más y que Tyler Rake quede como el gran héroe americano que puede con todo, hasta con la muerte.  

La interpretación de Chris Hemsworth es correcta, creíble, pero es lo mismo de siempre. Aunque te ayuda a empatizar más con Tyler Rake, no aporta nada que no hayamos visto ya. Es el tipo tio, que pasa de lesiones y demás, que para él no significan nada, y que solo se arreglan con una buena tabla de ejercicios y un entrenamiento militar, el típico estereotipo de tio duro.

Sam Hargrave ha construido un guión técnico demasiado sistemático, esquemático y tradicional, abusando del plano secuencia, solo para hacerlo visualmente más atractivo, es decir pura fachada. La dirección de actores es acertada pero desequilibrada. 

NACHO STARS: 4,50

Nacho Miret

 

UNA PELÍCULA DE ZOMBIES QUE NO ES LA TÍPICA PELÍCULA DE ZOMBIES

 The Dead Don't Die es un film con un guión curioso, burlesco, sincero, directo, cómico, divertido, gracioso, personal, diferente, tranquilo, innovador, interesante, enigmático y atrapante. La introducción te presenta a dos policías en acto de servicio, intentando solucionar un problema, con una persona un tanto peculiar. De este modo, te deja ver el comportamiento habitual, carácter, personalidad, mentalidad y estilo de vida, de algunos de los protagonistas; al mismo tiempo que te explica el tipo de película que será y cuál es su género dominante. Posee algunos gags graciosos, porque reflejan una verdad, realidad, opinión y pensamiento, pero en una dirección mucho más cómica y divertida. Con el sarcasmo, mejora y aumenta un poco más el nivel humorístico. Emplea el humor negro para hacerte reír: Únicamente se trata de producir chistes y bromas con todo lo relacionado con la muerte, a cualquier grado. También usa el humor rebuscado y/o inteligente: el cuál debes usar mucho el intelecto y pensar bastante para entender el chiste; porque la gran mayoría dan mucha vuelta, pero son graciosos. La situación se va poniendo progresivamente más atractiva y atrapante. Es un guión que rompe la cuarta pared constantemente, hablan del guión del film, nombran al director; para dejarte bien claro que estás viendo una película. Hace una clara referencia a Star Wars, y más concretamente a Kylo Ren, el personaje interpretado por Adam Driver. Las circunstancias se van complicando exponencialmente. Ciertos detalles son demasiado predecibles, y otros el propio guión te los spoilea. La propia estructura está hecha para diferenciarse de las demás, e incluso mofarse de ciertos detalles de la cultura actual. Tiene un final que te lo lleva diciendo todo el rato, cómico, peculiar, moralista y activo.

La interpretación de Adam Driver, Bill Murray y Tilda Swinton es correcta, creíble, agradecida, verdadera y que ayuda a que todo el engranaje que hace que su personaje se mueva, funcione perfectamente. Eliminando todo rastro de la anterior identidad y que la que hace no se vea afectada o alterada. Las interpretaciones de este tipo, son muy favorables para los guiones, porque ayudan a que el espectador se sumerja de lleno en el relato que te están contando, empatice con todos y cada uno de los que aparecen en la historia que explican, incluyendo el suyo y todo fluya mucho mejor. Es decir, que este nivel interpretativo que tienen Adam Driver, Bill Murray y Tilda Swinton, es muy necesario en determinadas películas en concreto, porque son las que hacen que el guión funciona mejor, tenga más fuerza y eficacia en el espectador. Lo peligroso de este nivel de entrega a la hora de interpretar, es que, si no sabes deshacerte del personaje y volver a ser tu otra vez, puedes tener graves y serios problemas mentales y de identidad. Por eso recomiendan que los actores vayan muy a menuda al psicólogo: para evitar daños y problemas mentales y de identidad.

Jim Jarmusch usa la cámara lenta para acentuar una acción, darle más importancia y hacerla más espectáculo. La dirección de actores es acertada y equilibrada.

Nacho Miret

NACHO STARS: 7,45

ASÍ ES COMO VEO YO THE DEAD DON'T DIE (PERO EN VERSIÓN CÓMICA):

UN CAOS ORDENADO

 Everything everywhere all at once es un film con un guión dual, muy loco pero cuerdo, caótico pero ordenado, surrealista pero coherente, sincero, directo, curioso, multiversal, maravilloso, enigmático, con muchas capas, personal, sublime, intrigante, interesante, educativo, didáctico, esclarecedor, atrapante, artístico y brillante. La introducción te presenta a Evelyn Wang (Michelle Yeoh) una madre de familia, que al parecer está tan ocupada con su negocio familiar, una lavandería heredada, que no tiene tiempo para su familia; la tiene tan desatendida, que se ha olvidado como ser madre y esposa, y dichos familiares están tan lejos de ella, que ni se da cuenta. Te la muestra de tal manera que puedas entender su situación y más adelante puedas empatizar con ella.  La situación se va poniendo progresivamente más cautivadora y sin poder apartar la atención de la trama. Es un relato con tantas capas, que, si te quedas solo en la superficie te perderas la mitad de la historia, es de esos guiones que te hace pensar, reflexionar e indagar más y más, para poder entender a la perfección de que trata todo. La construcción del guión hace que te impliques tanto, que te sumerges de lleno en la historia y te resulta imposible apartarte de ella, no puedes apartar la vista no, aunque lo intentes. Los detalles predecibles son tan pocos que los podrias contar con los dedos de una mano y aun así te sobrarían demasiados dedos. Las circunstancias se van complicando exponencialmente, que es lo que hace que la trama avance, surja en incidente desencadenante, para que así logren entrar en escena los puntos de inflexión necesarios para cada personaje, pero sobre todo para que la protagonista evolucione. El núcleo de la trama, está tan bien escondido, pero al mismo tiempo a plena vista, que cuando lo descubre te asombras, y el mero hecho de haberlo sabido todo este rato, impacta tanto, que solo puedes decir que jodida maravilla. Trata a la perfección el tema del Multiverso, lo aborda tan perfectamente y de un modo tan científico, pero a la vez realista y informal, que entiendes cada una de las palabras, te despierta interés, quieres saber cada vez más y además lo expone de una forma que si alguna vez has oido hablar a científicos, filósofos y demás expertos en la materia, sabes que lo que dicen es verdad; porque han recurrido a datos reales sobre el Multiverso, para hablar de él. Tiene un final espectacular, feliz, prospero, evolutivo, múltiple, personal, reconciliador, multiversal, variable, admirable, único, transcendental, prometedor, esperanzador, moralista, veraz, sin filtros, cercano y revelador.

La interpretación de Michelle Yeoh, Jamie Lee Curtis y Ke Huy Quan son perfectas, creíble, agradecida, verdadera y que ayuda a que todo el engranaje que hace que su personaje se mueva, funcione perfectamente. Eliminando todo rastro de la anterior identidad y que la que hace no se vea afectada o alterada. Las interpretaciones de este tipo, son muy favorables para los guiones, porque ayudan a que el espectador se sumerja de lleno en el relato que te están contando, empatice con todos y cada uno de los que aparecen en la historia que explican, incluyendo el suyo y todo fluya mucho mejor. Es decir, que este nivel interpretativo que tienen Michelle Yeoh, Jamie Lee Curtis y Ke Huy Quan, es muy necesario en determinadas películas en concreto, porque son las que hacen que el guión funciona mejor, tenga más fuerza y eficacia en el espectador. Lo peligroso de este nivel de entrega a la hora de interpretar, es que, si no sabes deshacerte del personaje y volver a ser tu otra vez, puedes tener graves y serios problemas mentales y de identidad. Por eso recomiendan que los actores vayan muy a menuda al psicólogo: para evitar daños y problemas mentales y de identidad.

Daniel Kwan y Daniel Scheinert han construido un guión técnico artísticamente seductor, subversivo, distinto sin dejar de ser ordenado y esquemático. La dirección de actores es perfecta, equilibrarte, con una simbiosis totalmente acertada y que te ayuda a sumergirte en la historia aún más.

Nacho Miret

NACHO STARS: 8

ASÍ ES COMO VEO YO EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE (UNA COMBINACIÓN DE AMBAS):

UN FANTASMA MUY AMISTOSO

 We Have a Ghost es un film con un guion personal, cómico, burlesco, divertido, intrigante, moralista, aleccionador, revelador, educativo, didáctico, sincero y directo. La introducción te presenta una casa, que por lo que se ve parece encantada, acto seguido hace un salto temporal de un año hacia delante, para presentarte a una familia, que atraviesan una etapa económica dura, y deben adaptarse a los cambios, pero ves que tambien exsiten problemas familiares. Te deja ver el comportamiento habitual, carácter, personalidad, mentalidad y estilo de vida de cada uno de ellos. También te dice el tipo de película que será y cuál es su género dominante. Emplea el humor negro para hacerte reír: Únicamente se trata de producir chistes y bromas con todo lo relacionado con la muerte, a cualquier grado. La gracia de los sketches va aumentando gradualmente siendo escalonadamente mejores. Recurre al humor chorra o absurdo (es lo mismo): Básicamente se trata de hacer reír o al menos intentarlo, mediante chorradas y/o cosas absurdas, normalmente demasiado simples y cuotidianas; pero con un enfoque mucho más humorístico. El ritmo de la primera parte (la presentación) es algo lenta, pero luego se recupera y mejora mucho. La situación se va poniendo progresivamente más interesante y emocionante. Ciertos detalles muy concretos muy específicos son predecibles. La intriga de saber quién es Ernest (David Harbour), resulta tan expectante, que te mantiene pegado a la pantalla hasta el final, y cada detalle que vas descubriendo de él, te va acercando y simpatizando más con él. El personaje que parece la antagonista, pero en realidad simplemente es alguien con el que juegan, y resulta ser un “héroe” disfrazado de malo, es todo un cliché. Las circunstancias se van complicando exponencialmente. Ernest es el personaje clave que ejerce de figura paterna para Kevin (Jahi Di'Allo Winston) y enseña a Frank (Anthony Mackie) a como ser un buen padre. El incidente desencadenante son la familia y Ernest, interactuando entre sí, para provocar los puntos de inflexión en cada uno. Escalonadamente se puede ver la transición y progresión de Ernest y Frank. Tiene un final feliz, veraz, sin filtros, esclarecedor, prometedor, esperanzador, justiciero, Kharmico, vengativo, persona, familiar, amistoso, prospero evolutivo, con una sorpresa escondida y transformador. 

La interpretación de David Harbour es correcta, creíble, agradecida, verdadera y que ayuda a que todo el engranaje que hace que su personaje se mueva, funcione perfectamente. Eliminando todo rastro de la anterior identidad y que la que hace no se vea afectada o alterada. Las interpretaciones de este tipo, son muy favorables para los guiones, porque ayudan a que el espectador se sumerja de lleno en el relato que te están contando, empatice con todos y cada uno de los que aparecen en la historia que explican, incluyendo el suyo y todo fluya mucho mejor. Es decir, que este nivel interpretativo que tiene David Harbour, es muy necesario en determinadas películas en concreto, porque son las que hacen que el guión funciona mejor, tenga más fuerza y eficacia en el espectador. Lo peligroso de este nivel de entrega a la hora de interpretar, es que, si no sabes deshacerte del personaje y volver a ser tu otra vez, puedes tener graves y serios problemas mentales y de identidad. Por eso recomiendan que los actores vayan muy a menuda al psicólogo: para evitar daños y problemas mentales y de identidad. Aunque le ha faltado un poco (casi nada) para llegar a ser magistral y ser una interpretación buenísima.

El film te transmite el mensaje de que en este mundo existen personas y criaturas mágicas, con habilidades únicas, excepcionales, que parecen sacadas de la ciencia ficción, pero son tan reales como el aire que respiramos. La fantasía es real, no lo que se cree que es el mundo, eso es otra cosa, aunque es más conocido como el mundo espiritual, solo hay que creer para ver (no al revés, que está terriblemente mal dicho, porque si no es sugestión no fe); hay gente capaz de ver y/o viajar entre ambos planos, es el don de conectar ambos planos espirituales, y otros muchos más dones espirituales. Si te abres de mente y energía tú también podrás verlo y disfrutar. El Kharma existe: tarde o temprano recoges lo que siembras; el Kharma castiga y el Dharma recompensa. Siempre se discrimina, margina y maltrata a toda persona que es diferente, cuando serlo no es malo, al contrario, es precioso y necesario; lo bueno y novedoso, se halla en la diferencia. La amistad es una de las cosas más importantes, valiosas, fuertes, preciosas y necesarias en cualquier Galaxia. Es creer para ver, no al revés; la gente suele confundirse y pronunciarlo a la inversa; si fuera de la forma incorrecta en la que se dice, sería sugestión en vez de fe. La familia es una de las cosas más importantes, valiosas, fuertes, preciosas y necesarias del Universo entero. Te puedes acabar haciendo amigo de quien menos te esperas, de la manera más inesperada. Los pequeños detalles, por insignificantes que parezcan son más importantes de lo que nos pensamos. Todos tenemos secretos, algunos peores que los de otros. Las cosas hay que hablarlas, si te las callas y guardas para ti solo/a, te van a corroer por dentro tarde o temprano. Las apariencias engañan: a ves las cosas no son lo que parecen. La verdad tarde o temprano acaba saliendo a la luz, si es necesario lo hará.

Christopher Landon ha construido un guión técnico demasiado sistemático, esquemático y convencional. La dirección de actores es perfecta y equilibrada. 

Nacho Miret

Nacho Stars: 7.55

ASÍ ES COMO VEO YO WE HAVE A GHOST (UNA COMBINACIÓN DE AMBAS):

QUIEN ES QUIEN

  

Samaritan es un film con un guión personal, sincero, directo, callejero, educativo, didáctico, criminal, moralista, trepidante, curioso, callejero y revelador. La introducción te presenta a dos hermanos gemelos que parecen de otro mundo, que son como una especia de metahumanos; te cuenta sus vidas de principio a fin, hasta la actualidad, al estilo cómic, para que puedas comprender a la perfección la situación, lo que los llevo a cada uno a pensar de esa manera y las decisiones que han tomado. Des del primer momento te deja claro el tipo de película que será y cuál es su género dominante. El ritmo es como el del latido de un corazón parecido al de “Samaritan”; empieza muy tranquilo y poco a poco va subiendo el ritmo. La situación se va poniendo progresivamente más interesante y atrapante. Ciertos detalles son demasiado predecibles. El guión está repleto de clichés andantes muy usados. Te muestra a unos hermanos que son el Yin y el Yan, andantes; polos opuestos. Las circunstancias se van complicando exponencialmente. Tiene hasta el crecimiento y revelación del “héroe” o en este caso mejor dicho el antihéroe asqueado de la vida y la sociedad, tan clásica en este tipo de relatos. En el desenlace, el giro que hace al descubrir quién es en realidad, el supuesto Samaritan, es brutal; aunque si eres perspicaz y has prestado atencion a las pistas, te habras dado cuenta hacer mucho tiempo. Y ves que el tiempo ha hecho que vea las cosas de otra manera, pero no mucho más diferentes. Tiene un final feliz, reconciliador, prospero, evolutivo, previsible, poco innovador, emulador, veraz, sin filtros, personal, herocio, esclarecedor, prometedor y esperanzador.

La interpretación de Sylvester Stallone es correcta, creíble, agradecida, verdadera y que ayuda a que todo el engranaje que hace que su personaje se mueva, funcione perfectamente. Las interpretaciones de este tipo, son muy favorables para los guiones, porque ayudan a que el espectador se sumerja de lleno en el relato que te están contando, empatice con todos y cada uno de los que aparecen en la historia que explican, incluyendo el suyo y todo fluya mucho mejor. Es decir, que este nivel interpretativo que tiene Sylvester Stallone, es muy necesario en determinadas películas en concreto, porque son las que hacen que el guión funciona mejor, tenga más fuerza y eficacia en el espectador. Sigue en la línea de lo que suele hacer, pero en esta ocasión lo hace bien, también, pero sin destacar mucho.

El film te transmite el mensaje de que el Kharma existe: tarde o temprano recoges lo que siembras; el Kharma castiga y el Dharma recompensa. Hay que saber perdonar para poder evolucionar y crecer como persona, pasando página. Cada persona supera el duelo a su manera y en el tiempo que le sea necesario. Nunca debes perder la esperanza, hay que seguir luchando, hasta conseguir lo que persigues. Te puedes acabar haciendo amigo de quien menos te esperas, de la manera más inesperada. Los pequeños detalles, por insignificantes que parezcan son más importantes de lo que nos pensamos. Las cosas hay que hablarlas, si te las callas y guardas para ti solo/a, te van a corroer por dentro tarde o temprano. Ni el bueno es tan bueno, ni el malo es tan malo. Hay que saber escuchar, para poder prevenir ciertos errores (pero escuchar a la persona correcta en el momento justo). La verdad tarde o temprano acaba saliendo a la luz, si es necesario lo hará. Algunas experiencias, te ayudan y enseñan, a madurar y crecer como persona. Todos tenemos secretos, algunos peores que los de otros. Se tú mismo, no dejes que te digan quien, y como debes ser, porque aparte, eso es una prisión. Nunca te metas con la persona equivocada, te estarás pintando una diana en la cabeza y sería lo último que hagas; hay cosas que para un hombre son sagradas, si se lo tocas estás muerto. Ten cuidado con lo que deseas porque te puede salir muy caro. Las apariencias engañan, a veces las cosas no son lo que parecen.

Julius Avery ha construido un guión técnico demasiado sistemático, esquemático y convencional. La dirección de actores es acertada, pero podrias ser mucho mejor. 

 

 

Nacho Miret

 

 

NACHOS STARS: 5,56

 

 

ASÍ VEO YO SAMARITAN (UNA COMBINACIÓN DE LAS CUATRO):